6 Degrees – My Favourite Things, Parte 1 di 2: dal Trap allo Slapstick

La canzone “7 Rings“, secondo singolo estratto da Thank U, Next, il quinto album in studio di Ariana Grande, è il 1° Grado di Separazione con cui vi chiedo di partire assieme a me in questo nuovo viaggio dentro i più o meno evidenti fili rossi di significanza che si trovano nel mondo dell’intrattenimento culturale pop, sia musicali, che cinematografici: come la volta scorsa, anche in questo caso il viaggio non sarà breve, tanto da essere stato da me diviso in due puntate, ma spero anche sufficientemente appassionante da spingervi ad arrivare fino in fondo.

Uscito nel Gennaio di questo 2019, il brano della Grande è stato una hit dal clamoroso successo, restata per cinque settimane di fila in cima alla classifica di Billboard Hot 100 e questo malgrado, in tutta onestà, non sia certamente la più riuscita tra le canzoni della famosa pop star: eseguita certamente al meglio dalla Grande, non risulta particolarmente adatta nel mostrare le vere doti canore dell’artista di Palm Beach, con un ritmo Pop Rap, più che altro scimmiottante le sonorità ed i testi dei cantanti Trap più in voga.

Elemento portante della strategia di marketing di promozione del brano, è ovviamente anche la leggenda costruita e narrata attorno alla sua genesi: è la stessa Ariana, infatti, ad aver svelato ai media il significato della sua creazione, raccontando di come, in una giornata particolarmente difficile per lei, trovandosi a New York dopo la rottura sentimentale con il suo fidanzato Pete Davidson, aveva deciso di risollevare il suo morale passando tutto il tempo bevendo champagne con 6 delle sue amiche (Victoria Monet, Courtney Chipolone, Alexa Luria, Rim Taya Shawki, Tayla Parx e Njomza Vitia) e facendo shopping niente meno che nella celeberrima gioielleria Tiffany sulla 5th Avenue, esattamente quella immortalata nel 1961 dal film Breakfast at Tiffany’s, libero adattamento dello sceneggiatore George Axelrod dall’omonimo romanzo di di Truman Capote, interpretato dall’icona di bellezza ed eleganza Audrey Hepburn, ma soprattutto diretto da Blake Edwards (elemento che costituisce un piccolo corto circuito interno con il 4° punto di questa nostra digressione).

In quell’occasione, Ariana Grande racconta che avrebbe comprato per se stessa e per le sue accompagnatrici 7 anelli con diamanti ovvero 7 gioielli di fidanzamento, trasformati per l’occasione in 7 gioielli di amicizia: sulla via di ritorno, una delle amiche, la cantautrice rapper Njomza, avrebbe detto ad Ariana «Hey, abbiamo bisogno di scrivere una canzone su questo!», come testimonia (sic!) il passaggio  riportato di seguito:

Wearing a ring, but ain’t gon’ be no “Mrs.”
Indosso un anello, ma non sarà da “Sig.ra”
Buy matching diamonds for six of my bitches
Ho comprato diamanti coordinati per sei delle mie troiette
I’d rather spoil all my friends with my riches
Preferisco viziare tutti i miei amici con le mie ricchezze

Il testo della hit è chiaramente di una stupidità agghiacciante, con particolare riferimento all’esaltazione della vacuità più promiscua, esaltando gli aspetti più edonistici del consumismo, con una visione del denaro idealizzata ad uso e consumo di chi in realtà lo sogna ma non lo possiede, come si può constatare da uno qualsiasi dei passaggi del testo:

Think retail therapy the new addiction
Penso che la terapia di shopping sia la mia nuova dipendenza
Whoever said money can’t solve your problems?
Chi ha detto che i soldi non possono risolvere i tuoi problemi?
Must not have had enough money to solve ’em!
Non doveva avere abbastanza soldi per risolverli!
They say “Which one?” I say “No, I want all of ’em”
Mi chiedono “quale?” Io rispondo “No, li voglio tutti”
Happiness is the same price as red-bottoms
La felicità ha lo stesso prezzo di un paio di pantaloni rossi

Malgrado in alcune interviste gli autori abbiano voluto far credere che dietro tale sfacciata esibizione si nascondessero ironia e critica nei confronti di un intero genere musicale, esaltante comportamenti vuoti e sessisti, tutta la canzone ed il video collegato stanno a dimostrare il contrario, in particolare quest’ultimo, con Ariana che davanti alla telecamera mette in scena tutto lo charme provocante e sexy di una modella di ombretti ed eyeliner saturi di colore, come in quei film in cui si dichiara di denunciare l’uso indiscriminato della violenza e delle armi in possesso personale e poi ci si crogiola nel costruire sequenze che vanno a solleticare esattamente gli stessi bassi istinti che ci si proponeva ipocritamente di mettere in discussione.

Quello di esibire ciò che al contempo si vuole condannare è da sempre un gioco sottile e spesso equivocabile, in cui non sempre è semplice per il fruitore ultimo (spettatore o lettore) capire dove sia la verità: basti pensare alle ridole accuse di nazismo rivolte a suo tempo al grande regista Lars Von Trier (basate su interviste-trappola, orchestrate dallo stesso regista e che hanno fatto capitolare più di una penna superficiale, incapace di scoprire il trucco satirico) o più recentemente il finto scandalo legato al gruppo di tweet scritti e diffusi in epoca giovanile, con intento volutamente dissacratorio, dal geniale uomo di cinema James Gunn, dove questi giocava appositamente con argomenti tabù, quali ad esempio la pedofilia, per condannare l’acquiescenza comune sul turismo sessuale e sulle pratiche di blackmail tanto diffuse in certi ambienti, ma che è stato paradossalmente usato dai suoi detrattori politici (Gunn si è da sempre schierato pubblicamente contro l’attuale amministrazione Trump e contro i suoi ridicoli think tank) per etichettarlo come pervertito (cosa che gli ha procurato un iniziale e pomposo licenziamento in tronco dalla Disney/Marvel, successivamente rientrato per ovvie logiche commerciali).

A volte effettivamente il confine e l’ambiguità sono sottilissimi, come nel caso del film Death Wish (da noi distribuito corentemente con il titolo di Il Giustiziere della Notte, giacché è di fatto un remake del film omonimo del 1974 di Michael Winner), per il quale il regista Eli Roth e lo sceneggiatore Joe Carnahan furono dalla critica giudicati in modo frettoloso troppo indulgenti nel bearsi delle scene di violenza efferata e nel finto senso di giustizia privata portata dal protagonista (oggi interpretato da Bruce Willis, in quello che un tempo fu il character che diede tanta popolarità a Charles Bronson, ma che, ahimè cristalizzò quel grande attore in un ruolo troppo di genere, da cui non riuscì più ad evadere), quando invece l’intento satirico del film è talmente palese da non essere in alcun modo equivocabile, come testimoniato dalle sequenze finali e dall’irreale reazione delle forze dell’ordine, nonché di tutta la macchina della giustizia statunitense, ponendosi nello stesso universo metaforico e distopico in cui agiscono praticamente tutti i capitoli della saga di videogames Grand Theft Auto, da sempre particolarmente caustici e critici sull’eccessiva libertà di un cittadino nordamericano di procurarsi legalmente e con estrema faciltà le armi più letali in commercio.

Tornando al 7 Rings di Ariana Grande, non voglio soffermarmi ulteriormente sulla pochezza devastante del voler celebrare con un brano pop un gesto che non ha niente di più della nullità etica dello shopping compulsivo e della noia che attraversa la vita dei divi (specie se si considera come, in questi casi, la realtà si mescoli con la fantasia costruita a tavolino dai social manager e dagli image-maker, tanto che la seconda prevale quasi sempre sulla prima), giacché per il nostro viaggio è invece molto più interessante rimarcare il significato quasi allegorico di come questo successo pop sia stato musicalmente costruito in dichiarato omaggio al brano My Favourite Things, che è chiaramente il nostro 2° Grado di Separazione.

Con un intento parodistico ed iconoclasta, infatti, il pezzo di Ariana Grande, oltre a citarne il titolo nel testo, muove le mosse del suo incipit come se fosse una cover della leggendaria canzone, composta da Richard Rodgers e Oscar Hammerstein II per il musical The Sound of Music (in Italia distribuito con il titolo più parrocchiale di Tutti insieme appassionatamente), portato in scena nel 1959 a Broadway con un successo impressionante e pochi anni dopo, nel 1965, trasportato al cinema, grazie alla sceneggiatura di adattamento di Ernest Lehman e la regia sopraffina di Robert Wise.

Il personaggio femminile protagonista della storia è Maria, un’orfanella austriaca affidata alle cure delle suore di un convento, le quali avevano pensato bene di farla diventare novizia, ma i tanti dubbi sulle vera vocazione della ragazza, specie da parte della madre superiora, avevano spinto quest’ultima a decidere di mettere alla prova la giovane nel mondo secolare, assegnandole il difficile compito di divenire istitutrice e governante dei sette figli del comandante della Marina Imperiale Georg Ritter von Trapp, rimasto vedovo da qualche anno e rinchiusosi in un guscio fatto di disciplina e rigore quasi anaffettivi: come è facile immaginare, Maria porterà una ventata di novità nella staticità della vita di quella famiglia, dove suo malgrado e con non poca ritrosia, incontrerà l’amore.

Sullo sfondo della reale vicenda storica dell’Anschluss ovvero dell’Annessione dell’Austria alla Germania Nazista (unica vera parentesi di seriosità della narrazione, con riferimenti rigorosi, ma trattati con la levità della commedia sentimentale, laddove il patriottsimo austriaco del protagonista maschile viene dipinto come una forma di anti-nazismo eroico e romantico), la storia si sviluppa con i toni dell’apologo educativo e pedagogico, mostrando in particolare come l’approccio più empatico e comunicativo di Maria, nei confronti del gruppo dei ragazzi, si dimostri con il tempo molto più efficace di quello fino ad allora tenuto dal padre, nel farli raggiungere non solo eccellenti risultati comportamentali, ma anche trasformadoli in provetti cantanti da coro.

Il brano musicale citato sopra è proprio un momento cardine di questo processo di conoscenza e di educazione condotto dalla giovane istitutrice: in occasione di un pauroso temporale, invece di tenerli a distanza, come previsto dalle regole precedenti, costruite sulla falsa riga di una specie di coprifuoco militaresco, Maria decide di accogliere tutti quei fanciulli nel lettone della sua camera e là, per distrarre soprattutto i più piccoli dai tuoni e dai fulmini che tanto li spaventavano, intona una specie di filastrocca, dove elenca per l’appunto tutte le cose che più le danno piacere nella vita quotidiana, mettendo in fila odori, profumi e descrizioni di visioni estremamente gradevoli, nel ricordo delle quali dichiara di rifugiarsi ogni volta che abbia paura o che sia triste.

Per chi volesse divertirsi a fare un veloce confronto tra le due canzoni, mettendo in parallelo le frasi appositamente blasfeme e forzate del brano pop della Grande, con le rime scritte invece da Oscar Hammerstein II, in fondo a questo post può trovare entrambi i testi (in lingua inglese originale e relativa traduzione), oltre anche alla versione italiana del brano del musical inserita a suo tempo nel doppiaggio del film: si sappia infatti che quando la pellicola di Wise fu distribuita nei cinema del nostro paese, si decise in Italia di far ricantare tutte le canzoni da artisti italiani (per la Andrews, ad esempio, fu scelta la voce di Tina Centi), con una completa riscrittura dei testi di ogni brano, affidandoli al paroliere e commediografo Antonio Amurri, il quale per l’occasione creò parole e strofe assolutamente inedite.

Come tutti ben sanno, il personaggio dell’orfanella austriaca, dapprima semplice novizia e poi educatrice alla scoperta del mondo e dell’amore, raccontato in questo film musicale pluripremiato (5 Oscar, 2 Golden Globe ed una miriade di altri premi specializzati e nomination e candidature in tutti i settori), che ha divertito e fatto sognare mezzo mondo, venne allora affidato alla talentuosissima Julie Andrews, attrice splendida e formidabile cantante, vera showgirl a tutto tondo, assurta rapidamente a diva di prima grandezza grazie al successo planetario della pellicola Mary Poppins della Disney, uscita appena un anno prima e nostro quasi obbligato 3° Grado di Separazione.

Effettivamente è praticamente impossibile parlare della Andrews prescindendo dalla sua leggendaria interpretazione del personaggio creato dalla penna della scrittrice britannica Pamela Lyndon Travers e voluto a tutti i costi sullo schermo cinematografico da Walt Disney in persona, che trasformò quella moderna fiaba per ragazzi in un musical con inserti animati, per la regia di Robert Stevenson, la sceneggiatura di adattamento di Bill Walsh e Don DaGradi e soprattutto le immortali canzoni composte dalla coppie di fratelli Robert e Richard Sherman.

Quello di Mary Poppins è un caso più unico che raro, dove una coincidenza di grandi talenti ed una produzione in stato di grazia portarono al concepimento di un’opera cinematografica tutt’oggi unanimemente considerata un picco di eccellenza sia dal pubblico che dalla critica specializzata di tutto il mondo, tanto che persino la gradevolissima commedia agro-dolce del 2013 Saving Mr. Banks (diretta da John Lee Hancock, sullo script di Kelly Marcel e Sue Smith), oltre alla fenomenale interpretazione degli attori protagonisti (Tom Hanks, Emma Thompson, Colin Farrell e Paul Giamatti), ebbe come indubbio traino per il suo successo anche il ricordo del film Disney negli spettatori, che giocarono a riconoscere in questa pellicola una sorta di “dietro le quinte” del capolavoro disneyano.

In una delle sequenze inziali di Mary Poppins, il personaggio della magica tata, guardandosi allo specchio definisce se stessa «practically perfect in every way» ed effettivamente, non solo per tutta la durata di questo specifico film, ma anche nelle pellicole seguenti, nonché nei tantissimi spettacoli teatrali portati in scena a Broadway, il lavoro svolto da Julie Andrews non è mai potuto essere definito diversamente se non che impeccabile: per tutta la sua vita professionale, la diva è stata non a caso sempre ammantata da un aura di intoccabile professionalità e carisma, tanto da averle permesso di raggiungere, presso il grande pubblico, l’inusitato primato di essere vista sia come beniamina del pubblico familiare tradizionale (grazie all’aureola del character Disney), sia come icona gay, stimatissima dalla comunità LGBT (le cui battaglie, per il riconoscimento dei propri dititti civili, la Andrews per altro non ha  mai fatto mistero di appoggiare).

La carriera cinematografica della Andrews ha continuato sempre a scorrere in parallelo a quella teatrale, grazie anche all’estensione ed alla potenza della sua voce, che abbinata ad un’indubbia padronanza scenica le permise di essere vista sempre soltanto come artista sopraffina e mai come diva da gossip, saltando a piè pari qualsiasi possibile maldicenza, attraversando immune anche gli sperimentalismi di un regista scomodo per il mondo del cinema, quale fu suo marito, come nel caso eclatante del clamoroso ed inaspettato topless inscenato dal personaggio di Sally Miles (finta star di Night Wind, il film nel film, di cui nella clip sopra potete visionare la scena in questione e la sintassi meta-filmica e parodistica), protagonista femminile della pellicola molto poltically uncorrect e anti-hollywoodiana S.O.B. del 1981, sceneggiata e diretta dal cineasta già citato all’inizio di questo post, l’uomo che nel 1969 sposò la stessa Julie Andrews e che la diresse non solo in questa irriverente pellicola, ma anche in altri sei lungometraggi (senza contare una serie di partecipazioni quasi amatoriali e spesso nemmeno accreditate), Blake Edwards, ovvero il nostro 4° Grado di Separazione.

Non è quindi casuale che se io fossi chiamato a decidere quale, tra i tantissimi ruoli di Julie Andrews, sia per me maggiormente memorabile, non avrei alla fine alcun dubbio e seppur con un iniziale imbarazzo nella scelta (fatta su così tanti indimenticabili ruoli, comprendendo non solo le interpretazioni storiche di inzio carriera, ma anche le parti minori e per così dire “crepuscolari”, come quelle di Clarisse Renaldi, Regina dell’immaginario stato europeo di Genovia, a fianco di una deliziosa Anne Hathaway, nelle due pellicole live action Disney The Princess Diaries 1 e 2 o quella di Lily, Capo delle Fate nella commedia Tooth Fairy – L’acchiappadenti a fianco di Dwayne Johnson), alla fine individuerei nella commedia musicale del 1982 Victor/Victoria (libero remake dell’omonima pellicola tedesca scritta e diretta nel 1933 da Reinhold Schünzel) il film che più di ogni altro ne ha consacrato il genio recitativo e canoro e che inoltre, per una meravigliosa molteplicità di coincidenze, fu anche l’apice creativo della coppia artistica Andrews-Edwards.

Anche se all’epoca della sua uscita nei cinema, l’Academy cercò di relegarla in un angolino (elargendole solo un Oscar per la Miglior Colonna Sonora, a fronte delle doverose 7 Nomination inziali e tali solo perché costretta dal plauso generale degli addetti ai lavori), la fama ed il rispetto sia del pubblico come della critica specializzata, verso questa questa storica commedia musicale, crebbero in modo inarrestabile, tanto che oggi essa è considerata un vero caposaldo del suo genere ed anche, aggiungo io, un’opera cinematografica assolutamente imperdibile, per la deliziosa storia di equivoci e doppi ruoli (una donna che finge di essere un uomo che finge di essere una donna), per l’accurata e creativa messa in scena, per gli stupendi numeri musicali ed infine per l’interpretazione altissima di tutti gli attori coinvolti, a partire dai tre protagonisti assoluti (oltre alla Andrews, un grandissimo Richard Preston ed un convincentissimo James Garner), fino a tutti comprimari, alcuni dei quali visi noti ed attori sodali che il regista Edwards si è portato dietro in quasi tutte le sue produzioni, come il fenomenale caratterista britannico Graham Stark (anch’esso protagonista di un altro piccolo corto circuito di questo strano filo di gradi di separazione).

Inoltre, nonostante fosse un film prodotto agli inizi degli anni ’80, temi come l’omosessualità ed il travestitismo vennero trattati in modo modernissimo ed aggiungo io incredibilmente anche senza alcuna retorica, mostrando gli aspetti dolorosi della repressione da un lato e dell’esibizione forzosa dall’altro: persino il divertimento e l’umorismo generato dalle tantissime gag non si avvalse mai di facili battute da basso trivio o basate su squallido sessismo, ma piuttosto giocò con l’identità di genere in modo lievissimo e senza alcuna presa di posizione moraleggiante, usando la grandiosa recitazione di Preston nei panni del personaggio di Toddy (sodale della soprano senza lavoro Victoria Grant e suo complice nella sciarada di ruoli con cui assieme creano il personaggio fittizio del Conte Victor Grazinski) per sfuggire al classico clichè del “migliore amico gay”, così abusato nel cinema nordamericano, creando al suo posto un nuovo archetipo che farà scuola nel cinema, in cui vengono giocate l’alternanza tra un cinico senso dell’umorismo, condito di fascino scandalosamente sfacciato e l’amarezza di una silenziosa vulnerabilità affettiva.

Ciò che infine rende questo film un piccolo capolavoro è il suo ritmo travolgente e le sue divertentissime sequenze comiche, in un equilibrio funabolico tra il vigore della trama della commedia, una dichiarata libertà di costumi (priva di qualsivoglia pedante intento sociologico o pedagogico) e gli interessi dello showbusiness: si badi bene che in Victoria/Vitctoria non parliamo mai di farsa (linguisticamente intesa come drammatizzazione buffonesca di scherzi e rozze caratterizzazioni, in situazioni ridicolmente improbabili), ma tuttalpiù dello splapstick, per lo meno nella sua essenza più raffinata, arte in cui Blake Edwards è stato maestro assoluto, con tutto il suo bagaglio teatrale e filmico di azioni deliberatamente maldestre da parte dei suoi personaggi ed un succedersi di accadimenti umoristicamente imbarazzanti.

Nell’animo artistico di questo prolifico regista, nato nell’Oklahoma ma formatosi a Los Angeles, sono effettivamente convissute tre potenti forze espressive, che hanno connotato (spesso persino distinto in modo netto) tutta la sua filmografia: un controllo totale dello spazio drammatico, che permetteva agli attori di avere tutto lo spazio recitativo utile per esprimere al massimo le tensioni emotive dei loro personaggi, inscenando melodrammi intimi con un realismo notevolissimo, come nel cupo atto d’accusa verso la piaga dell’alcolismo del suo Days of Wine and Roses –  I giorni del vino e delle rose, del 1962, con Jack Lemmon; un tocco leggerissimo e solare nel dipingere i toni della commedia all’americana (come nei due suoi campioni indiscussi di questo genere, Operation Petticoat – Operazione sottoveste, del 1959 (con Cary Grant e Tony Curtis a duettare in modo adorabile dentro un sommergibile militare durante la Seconda Guerra Mondiale) ed ovviamente il già citato Breakfast at Tiffany’s – Colazione da Tiffany del 1961); infine il rispetto per il silenzio e le pause comiche, che Edwards aveva nel suo codice genetico culturale, avendolo ereditato dalle due figure paterne con cui si era formato professionalmente ovvero il suo patrigno (regista teatrale e direttore di scena) e soprattutto il padre del suo patrigno, il regista cinematografico dell’epoca del muto J. Gordon Edwards, dal quale aveva appreso l’arte di quella comicità fisica ed elementare che era stata del primo Charlie Chaplin, di Buster Keaton , di Harold Lloyd e chiaramente di Stan Laurel ed Oliver Hardy.

Nessuna di queste tre anime di Blake Edwards è mai stata del tutto prevalente nel determinare il valore dei suoi film, tranne forse che in senso evolutivo, laddove con gli anni il nostro cineasta finì per abbandonare completamente i soggetti drammatici e successivamente anche quelli piu morbidi della commedia classica, per cristallizarsi soltanto sulla commedia parodistica e sulla satira di costume, fino al termine della sua carriera, quando tuttavia i suoi film erano oramai solo un’ombra del suo prestigioso passato: per quanto forieri di ottimi incassi, pellicole come Blind Date – Appuntamento al buio del 1987 (con Bruce Willis e Kim Basinger) e Switch -Nei panni di una bionda del 1991 (con Ellen Barkin ad interpretare un maschlista creativo pubblicitario che si ritrova nel corpo di una donna) sono difatti opere decisamente minori e davvero dimenticabili.

Tuttavia, delle tre citate, l’anima capace di dominare l’arte dello slapstick è senza dubbio quella che ha permesso ad Edwards di produrre per il cinema una delle saghe comiche più famose di tutti i tempi, ma questo sarà oggetto del mio prossim post, con la 2° ed ultima parte di questo 6 Degrees – My Favourite Things.

Un grazie a tutti per la lettura e Stay Tuned!

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In questo post abbiamo citato i seguenti film:

“Mary Poppins“, USA, 1964
Regia: Robert Stevenson
Soggetto e Sceneggiatura: Bill Walsh e Don DaGradi
dall’omonimo romanzo di Pamela Lyndon Travers

“The Sound of Music“, USA, 1965
Regia: Robert Wise
Sceneggiatura: Ernest Lehman
adattato dall’omominimo musical teatrale
con musiche di Richard Rodgers
e testi di Oscar Hammerstein II
a suo volta tratto dal film tedesco del 1956
“Die Trapp-Familie” di Wolfgang Liebeneiner
nonché dal romanzo di Maria von Trapp
“The Story of the Trapp Family Singers”

“S.O.B.“, USA, 1981
Regia: Blake Edwards
Soggetto e Sceneggiatura: Blake Edwards

“Victor/Victoria“, USA, GBR, 1982
Regia: Blake Edwards
Soggetto e Sceneggiatura: Blake Edwards e Hans Hoemburg
dallo script dell’omonima commedia tedesca del 1933
“Viktor und Viktoria” scritta e diretta da Reinhold Schünzel

“Death Wish“, USA, 2018
Regia: Eli Roth
Soggetto e Sceneggiatura: Joe Carnahan
dal precedente omonimo film del 1974
diretto da Michael Winner e scritto da Wendell Mayes
a sua volta tratto dall’omonimo romanzo del 1972
di Brian Garfield

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Canzoni citate nel post:

“7 Rings“, USA, 2019

Composta da: A. Grande, V. Monét, T. Parx, N. Vitia, K. Krysiuk
Produttori: Tommy Brown, Charles Anderson e Michael Foster
Studio: Jungle City Studios (New York City)
Label: Republic

Testo integrale del brano (originale, con traduzione):

Yeah, breakfast at Tiffany’s And bottles of bubbles
Sì, colazione da Tiffany e bottiglie di bollicine
Girls with tattoos Who like getting in trouble
Ragazze con tatuaggi A cui piace cacciarsi nei guai
Lashes and diamonds, ATM machines
Ciglia e diamanti, bancomat
Buy myself all of my favorite things
Mi compro tutte le mie cose preferite
Been threw some bad shit
Ho passato un periodo veramente di merda
I should be a sad bitch
Dovrei essere una stronza triste
Who would have thought it’d turn me to a savage?
Chi avrebbe pensato che mi sarei trasformata in una selvaggia?
Rather be tied up with cuffs and not strings
Meglio essere legata con manette che non da legami
Write my own checks like I write what I sing, yeah
Scrivo i miei assegni come scrivo ciò che canto, yeah

My wrist, stop watchin’ My neck is flossin’
Il mio polso, smettila di guardarlo, Il mio collo dondola
Make big deposits, My gloss is poppin’
Faccio grandi depositi, il mio gloss si mette in mostra
You like my hair? Gee, thanks! Just bought it
Ti piacciono i miei capelli? Wow, grazie! Li appena comprati
I see it, I like it I want it, I got it, yeah
Lo vedo, mi piace Lo voglio, lo prendo, yeah

I want it, I got it I want it, I got it
Lo voglio, lo prendo Lo voglio, lo prendo
I want it, I got it I want it, I got it
Lo voglio, lo prendo Lo voglio, lo prendo
You like my hair? Gee, thanks! Just bought it
Ti piacciono i miei capelli? Wow, grazie! Li appena comprati
I see it, I like it, I want it, I got it (Yeah)
Lo vedo, mi piace, lo voglio, lo prendo (Yeah)

Wearing a ring, but ain’t gon’ be no “Mrs.”
Indosso un anello, ma non sarà da “Sig.ra”
Buy matching diamonds for six of my bitches
Ho comprato diamanti coordinati per sei delle mie troiette
I’d rather spoil all my friends with my riches
Preferisco viziare tutti i miei amici con le mie ricchezze
Think retail therapy the new addiction
Penso che la terapia di shopping sia la mia nuova dipendenza
Whoever said money can’t solve your problems?
Chi ha detto che i soldi non possono risolvere i tuoi problemi?
Must not have had enough money to solve ’em!
Non doveva avere abbastanza soldi per risolverli!
They say “Which one?” I say “No, I want all of ’em”
Mi chiedono “quale?” Io rispondo “No, li voglio tutti”
Happiness is the same price as red-bottoms
La felicità ha lo stesso prezzo di un paio di pantaloni rossi

My smile is beamin’ My skin is gleamin’
Il mio sorriso è smagliante, la mia pelle è luminosa
The way it shine I know you’ve seen it (You’ve seen it)
Il modo in cui brilla, lo avete visto
I bought a crib just for the closet
Ho comprato una culla solo per l’armadio
Both his and hers
Sia per lei che per lui
I want it, I got it, yeah
Lo voglio, lo prendo, yeah

I got my receipts, be lookin’ like phone numbers
Ho ritirato i miei scontrini, sembrano numeri di telefono
If it ain’t money, then wrong number
Se non sono soldi, allora sono numeri sbagliati
Black card is my business card
La carta di credito black è il mio biglietto da visita
The way it be settin’ the tone for me
Il modo in cui lavora è il suono giusto per me
I don’t mean to brag But I be like, “Put it in the bag,” yeah
Non intendo vantarmi, ma io sono il tipo “Mettilo nella borsa”, oh si
When you see them racks, they stacked up like my ass, yeah
Quando vedi gli espositori, sono impilati come il mio culo, oh si

Shoot, go from the store to the booth
Fotografa, vai dal negozio allo studio
Make it all back in one loop
Faccio tutto in un solo giro
Give me the loot
Dammi il bottino
Never mind, I got the juice
Non importa, ho la sua roba
Nothing but net when we shoot
Ho toccato solo la rete quando giriamo
Look at my neck, look at my jet
Guarda il mio collo, guarda il mio jet

Ain’t got enough money to pay me respect
Non sono abbastanza soldi per portarmi rispetto
Ain’t no budget when I’m on the set
Non c’è budget quando sono sul set
If I like it, then that’s what I get, yeah
Se mi piace, allora me lo prendo

Wearing a ring but ain’t got’ be no Mrs
Sto indossando un anello, ma non è da “Sig.ra”
Bought matching diamonds for 6 of my bitches
Ho comprato diamanti coordinati per 6 delle mie troiette
My smile is beaming
Il mio sorriso è smagliante
The way it shine, I know you’ve seen it
Il modo in cui brilla, l’avete visto
Bought a crib just for the closet
Ho comprato una culla solo per l’armadio
Both his and hers, I want it, I got it
Sia per lei che per lui, lo voglio, lo prendo

They say money doesn’t solve your problems
Ho le mie ricevute, sembrano numeri di telefono
Whoever said that must not have money to solve them
Chi ha detto che i soldi non possono risolvere i tuoi problemi
Lashes and diamonds, ATM machines
Ciglia e diamanti, bancomat
Buy myself all of my he, he, he, tea

They say “Which one?”I say “No, I want all of ’em”
Mi chiedono “quale?” Io rispondo “No, li voglio tutti”
I see it, I like it, I want it, I got it
Lo vedo, mi piace, lo voglio, lo prendo

 

“My Favorite Things“, USA, 1965

Musica di: Richard Rodgers
Parole: Oscar Hammerstein II
Label: RCA Victor

Testo integrale del brano (originale, con traduzione):

Raindrops on roses and whiskers on kittens
Gocce di pioggia su rose e baffi sui cuccioli
Bright copper kettles and warm woolen mittens
Pentole di rame luminoso e caldi guanti di lana
Brown paper packages tied up with strings
Pacchetti di carta marrone legati con corde
These are a few of my favorite things
Queste sono alcune delle mie cose preferite

Cream colored ponies and crisp apple streudels
Pony color crema e strudels di mela croccanti
Doorbells and sleigh bells and schnitzel with noodles
Campanelli e campane da slitta e schnitzel con le tagliatelle
Wild geese that fly with the moon on their wings
Oche selvatiche che volano con la luna sulle ali
These are a few of my favorite things
Queste sono alcune delle mie cose preferite

Girls in white dresses with blue satin sashes
Ragazze in abiti bianchi con fasce di raso blu
Snowflakes that stay on my nose and eyelashes
Fiocchi di neve che rimangono sul mio naso e le ciglia
Silver white winters that melt into springs
Inverni bianchi d’argento che si sciolgono in sorgenti
These are a few of my favorite things
Queste sono alcune delle mie cose preferite

When the dog bites
Quando il cane morde
When the bee stings
Quando l’ape punge
When I’m feeling sad
Quando mi sento triste
I simply remember my favorite things
Io semplicemente Ricordo le mie cose preferite
And then I don’t feel so bad
E poi non mi sento così male

“Le Cose che Piacciano a Me“, ITA, 1965

Versione Italiana di
“My Favourite Things” di Rodgers & Hammerstein II
Parole di: Antonio Amurri
Voce: Tina Centi

Testo integrale del brano:

(Parlato)
Prati verdi, cieli pieni di stelle,
gocce di pioggia sul verde dei prati…

(Cantato)
Sciarpe di lana, guantoni felpati,
più che il sapore il colore del tè,
ecco le cose che piacciono a me.

Torte di mele, biscotti croccanti,
bianchi vapori dai treni sbuffanti,
quando ti portano a letto il caffè,
ecco le cose che piacciono a me.

Tanti vestiti a vivaci colori,
quando ricevi in regalo dei fiori,
le camicette di bianco piquet,
ecco le cose che piacciono a me.

Se son triste infelice e non so il perchè,
io penso alle cose che amo di più
e torna il seren per me.

Il miagolare che fanno i gattini,
ed il sorriso di tutti i bambini,
la cioccolata che è dentro ai bignè,
ecco le cose che piacciono a me.

Un bel quaderno appena comprato,
un fazzoletto che sa di bucato,
una gallina che fa coccodè
ecco le cose che piacciono a me.

Biondi capelli su un viso abbronzato,
pane arrostito con burro spalmato,
quando si ride ma senza un perchè
ecco le cose che piacciono a me.

Se son triste infelice e non so il perchè,
io penso alle cose che amo di più
e torna il seren per me.

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