Eroe ed Onore nel Cinema Americano e Giapponese – Capitolo 2: Picard, King Arthur ed Heidegger

La sera del 30 settembre del 1991, nel corso del secondo episodio della quinta stagione (il 102esimo in ordine progressivo) di “Star Trek: The Next Generation” (la più bella e completa delle 6 serie televisive del longevo franchise, contando anche quella animata degli anni 1973 e 1974), l’equipaggio dell’astronave stellare Enterprise s’imbattè nella popolazione aliena dei Tamarians, con cui la Federazione Terrestre non era mai riuscita a comunicare, malgrado i potentissimi traduttori universali, da tempo in dotazione ai loro esploratori.

In particolare, a vedersela in un pianeta pieno di pericoli, faccia a faccia con un tamarian di nome Dathon, fu proprio il comandante dell’equipaggio terrestre Jean Luc Picard, senza ombra di dubbio il migliore e più carismatico di tutti i comandanti succedutisi in quel ruolo, anche grazie alla robusta e partecipe interpretazione dell’attore britannico, di ascendenza teatrale, Patrick Stewart, indimenticato Gurney Halleck nel “Dune” di Lynch e divenuto poi popolarissimo per via della sua interpretazione del professor Charles Xavier, nella saga degli “X-Men” di Synger.

Anche gli uomini dell’equipaggio dell’Enterprise quindi, spinti in questo caso dall’urgenza di riuscire a far comunicare fra loro i due dispersi sul pianeta, si cimentarono nell’impresa di analizzare quella stranissima lingua, apparentemente simile come struttura a quella terrestre, ma con un meccanismo segreto che ne impediva la comprensione.

Ciò che all’ultimo momento verrà scoperto dai terrestri fu che la lingua tamarian risultava composta interamente da metafore, basate sulla mitologia e sui racconti epici del loro popolo: i concetti, le emozioni, le situazioni e persino le giuste soluzioni da prendere in momenti di crisi, tutte le comunicazioni più importanti dei tamarian avvenivano, insomma, esclusivamente usando segmenti narrativi o momenti topici di storie leggendarie, che venivano tramandate da generazioni, sia in forma orale che scritta.

Per interloquire con i tamarians, il comandante Picard (anche aiutandosi, ovviamente, con i traduttori elettronici per la giusta translitterazione delle frasi) decise di provare dunque a comunicare con Dathon usando metafore letterarie attinte, a sua volta, dai grandi racconti epici e mitologici terrestri, dall’Iliade all’Odissea, passando anche per i racconti di Re Artù ed i Cavalieri della Tavola Rotonda: in questo modo, Picard riuscì a comunicare all’alieno i suoi stati d’animo, il senso di pericolo comune e persino le soluzioni possibili, da applicare in cooperazione, per sfuggire alle minacce del pianeta ostile in cui erano bloccati.

L’ideazione di questo particolare tipo di linguaggio e gli esempi dello stesso usati durante l’episodio, furono tutti frutto della mente geniale dello scrittore e produttore Joe Menosky, l’uomo a cui si deve anche la nascita e la diffusione del topos del numero 47, inteso come soluzione scherzosa per tutti i problemi matematici e da non confondere assolutamente con il numero 42, che invece, secondo Douglas Adams, autore del mitico “The Hitchhiker’s Guide to the Galaxy”, è la risposta alla domanda fondamentale sulla vita, l’universo e tutto il resto.

Divenuto con il tempo cifra esoterica per tutti gli scrittori delle serie televisive di Star Trek, il gioco del numero 47 fu ripreso persino da JJ Abrams, che lo fece comparire in vari momenti cruciali, sia della sua fiction “Fringe”, sia dei reboot cinematografici del franchise che fu chiamato a produrre e dirigere.

Durante la puntata di “Next Generation” di cui abbiamo parlato sopra, diverse frasi vengono pronunciate dal personaggio di Dathon in lingua tamarian ed i trekker di tutto il mondo le hanno collezionate una ad una, per i posteri ad imperitura memoria, ma di certo la più famosa, divenuta persino idiomatica nel web, è senza ombra dubbio la seguente: “Shaka, when the walls fell… (Shaka, quando caddero le mura)”, metafora usata nella fiction per indicare un senso di fallimento o anche l’incapacità reciproca a comprendersi.

Con quel gioco di specchi rivelatori (in cui la società mostra nel suo riflesso un mondo verosimile, frutto di speculazioni esenti dal sovrannaturale) che è sempre stato l’ossatura della buona fantascienza (dall’epoca avventurosa di HG Wells e Verne, passando per quella hard e matematica dei vari Asimov, Heinlein, Clarke, Bradbury, Lem e compagnia bella, fino a quella decadente e più problematica dei Dick e dei Gibson), la mitologia entra prepotentemente nella fiction televisiva e nel cinema con tutta la sua valenza di significanze, perché il figlio riconosce il padre e gli rende onore.

Vale la pena di ricordare, infatti, che in occidente il concetto stesso di film, inteso come racconto o romanzo ad immagini in movimento, prende origine in modo netto dalle storie raccontate nei romanzi a puntate e nelle riviste di genere pulp statunitensi, non a caso quasi tutti ambientati sulla frontiera Ovest degli USA.

Il cinema nacque dunque come invenzione tecnica e diventò poi strumento (medium) per narrare storie, come avvenne per la radio e per la Tv: se questo concetto è chiaro, tutto il resto avviene per emanazione.

L’origine popolare della sintassi narrativa filmica (perciò, per caduta, anche televisiva) determinò anche lo schema di illuminazione a tre punti dello spazio (rendendo più “reale” il luogo antistante la macchina da presa, che non era più un palco teatrale e quindi quasi bi-dimensionale), il montaggio di continuità e la narrazione focalizzata su specifici personaggi (intenti a superare ostacoli): individualizzando la narrazione sui personaggi, veniva appunto lasciata la descrizione della società sullo sfondo e da qui nascerà poi la grande differenza tra il cinema tradizionale americano e quello europeo, anche attraverso un diverso uso delle inquadrature, l’arrivo dei campi lunghi e la profondità di campo, ma questa è un’altra storia.

A loro volta, quelle storie pulp della letteratura popolare prendevano spunto, abbassandone ovviamente il codice linguistico, dai racconti epici europei, ossia quelli del Ciclo Bretone e del Ciclo Arturiano (compilazioni di amori, magie ed avventure nate intorno al XII secolo in Francia ed in Britannia, dove la “Chanson de Roland” diviene la storia Artù, Merlino, la fata Morgana, la spada Excalibur ed il tema del Sacro Graal): da quelle storie nacque, infatti, l’idea primigenia di cavaliere errante (Orlando/Roland e Lancillotto/Lancelot fra tutti), che poi attraverso il pulp letterario statunitense diventarono ad Hollywood il pistolero solitario, di passaggio nelle cittadine del selvaggio west e persino lo sceriffo federale, il Marshall, che arrivava per sistemare le questioni irrisolte e financo i soprusi di qualche banda di malfattori (capi-tribù) che tenevano in scacco una città o un popolazione.

Considerando, infine, che i tratti dell’eroe (coraggio, giustizia, prudenza, ragionamento pratico), presenti nei racconti epici europei, traevano forza e significanza direttamente dall’epica greca di Omero, otteniamo infine il filo conduttore della tipologia dell’eroe che, dai primi esempi letterari, infusi di virtù aristoteliche, giunge fino al cinema di genere western e da questi al genere bellico ed action (crime, thriller, noir).
Una bella rincorsa, non c’è che dire, da lasciare senza fiato!

Tutte le varie sotto-tipologie di eroismo che conosciamo oggi, partendo da quell’archetipo iniziale del cowboy western, si sprigioneranno con il tempo nel cinema americano, compresa quella tanto di modo oggi dell’eroe “esistenziale”, nato dopo che autori importanti lo hanno sdoganato anche nel cinema mainstream.

Penso ad esempio a David Cronenberg, ma non a quello dei suoi primissimi capolavori, tutti incentrati sulle mutazioni fisiche del corpo, ma a quello contemporaneo delle mutazioni dell’anima e agli eroi dei suoi “A History of Violence” (seconda grandiosa incursione del cinema americano nella collana di fumetti della Paradox/DC Vertigo, da cui era già stato tratto da Sam Mendes “Road to Perdition”), “Eastern Promises” (specie di esperimento di laboratorio sociale, in cui Cronenberg, più che raccontarci una storia, sembra voler verificare come si comportano dei character, blindati in uno stile ed in un ambiente chiuso come quello mafioso, all’arrivo di un nuovo elemento) o del recente “Maps to the Stars” (splendida versione di “Sunset Boulevard – Viale del Tramonto” al vetriolo, inacidito, deviante ed infinitamente più caustico).

Stesso discorso vale per il personaggio interpretato da Nicholas Cage nell’ultima fatica del grande Paul Schrader, quel “The Dying of the Light” con una storia ed un character dalla tipica e riconoscibilissima impronta del nostro regista, ma talmente massacrata dai produttori, sia durante che dopo le riprese, da essere persino disconosciuta dallo stesso Schrader: una pellicola terribile, che immagino fosse probabilmente sbagliata anche nella sua stessa essenza e che si fatica a seguire fino alla fine, lasciando incredulo lo spettatore a pensare che ciò che ha visto sia un film scritto dalla stessa persona che nel 1980 ha saputo disegnare l’autodistruzione di un uomo con infinita maestria, in “Raging Bull” di Martin Scorsese.

Della stessa categoria, infine, fa parte anche l’emblematica figura dell’hacker Nicholas Hathaway, interpretato da Chris Hemsworth in “Blackhat” di Michael Mann, film esageratamente sottovalutato e disprezzato, ma che, pur non raggiungendo gli apici stellari raggiunti  con “Collateral”, resta forse il miglior film di specifico genere cyber-crime degli ultimi anni, stilisticamente troppo evoluto per essere accettato dal pubblico e dalla critica statunitensi e pertanto accolto come un flop.

I protagonisti dei film appena citati, nei loro alti e bassi, sono tutti eroi che sembrano voler superare il nichilismo del noir classico (come quelli dell’indiscusso maestro francese Jean-Pierre Melville, il cui bellissimo “Le deuxième souffle – Tutte le ore feriscono… l’ultima uccide” ha ispirato in modo esplicito il capolavoro di Mann “Heat – La sfida”) per esprimere l’essenza stessa dell’esistenzialismo Heideggeriano, trascendendo la futilità della vita e vincendo ogni superficialità con l’onestà, il coraggio ed il senso di responsabilità, in una lotta convinta per la libertà individuale.

Quando a suo tempo lessi le parole del critico statunitense Rowan Righelato che, a proposito dello scadente film “The Gunman” di Pierre Morel, disse che Sean Penn si muoveva nel film “[…] It’s almost as if Jean-Paul Sartre himself appeared on screen toting a 44 Magnum (E ‘quasi come se Jean-Paul Sartre stesso apparisse sullo schermo armato di una 44 Magnum) […], risi di gusto, perché, pur con la solita esagerazione dei giornalisti nord americani, era stato sintetizzato ciò che anch’io avevo sempre pensato ed ossia che le tipologie di eroe nel cinema USA si muovono per mode e per gruppi, in modo che ci sia sempre un campione adatto ad ogni pubblico, come un canale via cavo dedicato o un network streaming per ogni esigenza: sei un adolescente o un adulto comunque legato a gusti ed emozioni molto “teen”? Allora ti propino degli eroi in stile CW (Smallville, Supernatural, Arrow, The 100, The Flash, iZombie, etc.), ma se invece sei scolarizzato o acculturato ad un livello più alto, allora il tuo eroe sarà più scazzato, cinico ed ovviamente più politically uncorrect (Daredevil, Jessica Jones, etc.), ma sarà sempre un individuo solitario, contro tutto e tutti, sempre in grado di fare la cosa giusta al momento giusto, avendo però compiuto prima un percorso pieno di errori, di cui infine deve espiarne la colpa, attraverso il gesto eroico finale (con o senza happy-end).

Lungi da me la volontà di demonizzare il mainstream, tutt’altro, perché, come dice la mission del mio blog, io “sguazzo” in esso, ma è pur sempre essenziale mantenere ferma la bussola durante la navigazione e la visione di un film o una fiction, così da essere in grado di apprezzare una bellissima prova recitativa o un grande script o una splendida messa in scena, anche quando tutto questo è al servizio di una semplice operazione di marketing: infatti, sottolineare semplicemente il bello ed il puro è filosoficamente tautologico e rischia di essere autoreferenziante, mentre la ricerca delle perle nascoste nel divertissement costruito ad arte è molto più appagante, ma sempre restando in grado di reificare ciò che si vede, senza mitizzarlo.

Anche per questo secondo capitolo del nostro viaggio abbiamo finito: grazie al lavoro di consolidamento concettuale che abbiamo fatto sui miti e sull’archetipo dell’eroe nel cinema occidentale americano, possiamo finalmente volgere il nostro sguardo ad Oriente ed è esattamente quello che faremo nel prossimo capitolo, partendo dal Codice Bushido dei Samurai e nel confronto con il cowboy statunitense e, neanche a dirlo, sarà anche il turno di Akira Kurosawa.

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In questo post abbiamo parlato di:

“Le deuxième soufflé”, FRA, 1966
Scritto da Jean-Pierre Melville e José Giovanni
Diretto da Jean-Pierre Melville, interpretato da Lino Ventura e Paul Meurisse

“Star Trek: The Next Generation”, USA, 1987-1994, 7 Stagioni e 176 episodi
Creata da Gene Roddenberry, con Patrick Stewart, Jonathan Frakes, LeVar Burton,
Gates McFadden, Marina Sirtis, Brent Spiner, Wil Wheaton

“A History of Violence”, USA, 2005
scritto da Josh Olson, dall’omonima graphic novel di John Wagner e Vince Locke
diretto da David Cronemberg

“Eastern Promises – La Promessa dell’assassino”, USA, 2007
scritto da Steve Knight
diretto da David Cronemberg, con Viggo Mortensen e Naomi Watts

“Maps to the Stars”, USA, 2014
scritto da Bruce Wagner
diretto da David Cronemberg, con Julianne Moore, Mia Wasikowska, John Cusack

“The Dying of the Light”, USA, 2014
scritto e diretto da Paul Schrader
interpretato da Nicolas Cage, Anton Yelchin e Irène Jacob

“Blackhat”, USA, 2015
scritto da Morgan Davis Foehl e Michael Mann
diretto da Michael Mann

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