The Wachowskis Parte 1 di 2: Deus Ex Machina Vs Neo

Il cinema di Lana ed Andy Wachowski è un cinema politico.
Non nel senso provinciale e partitico che potremmo intendere noi italiani, con la nostra partigiana litigioseria da scuderia d’interesse, ma nel senso più filosofico e cosmico di visione di libertà, perché i loro film sono come il peyote per il nostro animo, un portale per accedere ai sogni lucidi di due visionari dei nostri tempi, due precursori e due assoluti rivoluzionari, nati e cresciuti nella dorata culla di Hollywood, che li ha amati e temuti, ad un tempo idolatrati e nell’altro schifati e ghettizzati.
La loro filmografia è un viaggio potente nel cuore del cuore della schiavitù e nell’istinto di ribellione ed è un percorso che promette meraviglie e che sa come mantenerle a chi ha il coraggio di tuffarsi con loro nella tana del Bianconiglio.

Nell’immaginario fantastico degli anni ’80, il regista Richard Donner ha un trono dorato, consegnatogli dal pubblico di allora per film epocali, come i primi due “Superman” (il primo del 1978 ed il secondo del 1980), lo straordinario “The Goonies” del 1985 ed il più bel fantasy romantico di sempre, quel “Ladyhawke” del 1985, in cui Rutger Hauer (il nostro replicante preferito) duettava con una splendida e bravissima Michelle Pfeiffer.
Donner fu però anche regista della serie action più famosa di quel decennio, parlo ossia del poker di pellicole “Lethal Weapon (Arma letale)”, con il Mel Gibson d’annata, attore di parti violente e scanzonate, quello con ancora tanti folti capelli lunghi e lo sguardo da pazzoide.

Tra il terzo ed il quarto capitolo di questa saga crime-action, Donner fu chiamato nel 1995 da Joel Silver (produttore tostissimo, oltre che di tutti i “Lethal Weapon”, anche di pellicole come “Predator” e “Die Hard”) per dirigere un ennesimo action, ma un po’ diverso dal solito, basato su uno script anomalo, acquistato dalla Warner da due ventenni, decisamente promettenti ma anche molto originali: Laurence e Andrew Wachowski, studenti di Chicago e scrittori di comics.

Da quella prima straordinaria sceneggiatura post-moderna, malgrado la completa riscrittura (in chiave più tradizionale) richiesta dal regista e realizzata da un mostro sacro del cinema autorale statunitense come Brian Helgeland (autore degli script di film come “L.A. Confidential”, “Mystic River” ed il capolavoro horror “Nightmare on Elm Street”), uscì un film ancora oggi molto sottovalutato, ma decisamente bello ed importante, “Assassins”, probabilmente l’action più iconico che abbiano mai girato Stallone e  Banderas (all’epoca appena sbarcato negli States ed interessato a costruirsi un immagine più commerciale di quella spagnola dei suoi inizi con Almodovar).

In fondo a questo post, nelle note a margine, chi lo desidera potrà confrontare le due sceneggiature integrali, dal cui esame emerge il palese maggiore rigore logico e la consecutio di azioni dello script dei Wachowski, nonché la maggiore enfatizzazione della storia d’amore trasversale ai due killers.

Né gli spettatori comuni, né Hollywood si erano accorti che quella pellicola era stato solo il primo vagito di due cineasti prepotentemente ribelli, i quali, dopo quell’esperienza e forti di un contratto già firmato per un pacchetto di tre film , si affrancheranno subito, acquisendo anche la regia, cosa che da allora sarà per sempre una loro prerogativa, con un totale dominio sull’opera artistica, sia come sceneggiatura che come direzione dei lavori.

Rivedere oggi “Assassins” ha il sapore retrò del divertissement semplice, perché la regia ed i dialoghi definitivi sono molto convenzionali, ma qui e là, in questo continuo inseguirsi e spararsi, incrociarsi di pistole e sguardi minacciosi, panoramiche rotatorie a 360° (nemmeno lontanamente parenti del “bullett time shot” che arriverà solo con “The Matrix”) e soprattutto in questa sospensione della logica tradizionale a favore di una logica altra, più metafisica, in cui i due killers agiscono e prendono decisioni etiche, ebbene in tutto questo si intravede l’inizio di un percorso straordinario.

Poi, dopo nemmeno un anno, i due fratelli se ne escono con il conturbante ed eclettico “Bound (Torbido inganno)”, pellicola da loro ovviamente interamente scritta e diretta, con una voglia di cinema assolutamente pura e scatenata, pieno di virtuosismi, di cambiamenti drastici ed inaspettati mutamenti di di stile, impregnato della sensualità sfacciata portata dalle due protagoniste e dalla loro relazione lesbica, per altro descritta in modo talmente convincente e realistico da non aver precedenti in un film destinato ad un grande pubblico non festivaliero.

Il film è all’apparenza una pellicola “caper” (particolare branca del thriller, in cui una banda di criminali deve organizzare un grosso colpo), ma si muove come se lo spettatore avesse in mano un cubo di Lemarchand, una scatola del dolore ma anche della gioia, fatta di intarsi riccamente lavorati e scanalature da seguire con le dita per trovare la giusta apertura e meccanismi che scattano rivelando violenza, sesso ed umorismo: non è facile etichettare un film come questo ed è anche sbagliato farlo, quindi, meglio preferire una visione senza preconcetti e lasciare che il vagone delle montagne russe sterzi ad ogni curva, s’impenni per inerpicarsi su ripide rampe e poi precipiti noi e lui in discese a capofitto.

Sin dall’inizio della storia, la passione sessuale e romantica tra le due donne è così elevata che non lascia adito a dubbi, ma è anche divertente, per la palese diversità di atteggiamento: così fascinosa ed elegante Violet (interpretata da Jennifer Tilly), la donna del boss, con la sua lingerie sexy, il suo fingersi svampita e la sua apparente fragilità, così dura e mascolina, invece, Corky (ruolo affidato alla formosa e prepotentemente femminile Gina Gershon), ex-detenuta che svolge lavori di idraulico ed imbianchino.

La chimica erotica diventa anche empatia criminale ed il piano comincia a ticchettare davanti allo spettatore incredulo (persino offeso, se moralmente bacchettone ed allora c’erano molto più persone fatte così), trascinandolo in cambi di stile che percorrono anche la strada della commedia grottesca.
Un film da manuale, per due autori di cinema che non sono capaci di lasciare indifferenti e sereni i propri spettatori.

Tre anni dopo il successo di pubblico e di critica di “Bound”, arriva nel 1999 “The Matrix”, il terzo ed ultimo film a contratto Warner ed è anche e soprattutto per questa sorta di scadenza commerciale che nacque il mito infondato che la trilogia di cui stiamo per parlare non sia una saga, com’è realmente, ma solo un film originale seguito da due sequel.

Quando, infatti, Lana ed Andy Wachowski concepirono il sogno di una saga fantascientifica basata sull’illusione e la realtà, essi non avevano ancora quel potere contrattuale che ottennero solo dopo il successo planetario del primo capitolo della loro trilogia: poco prima della fine del millennio, essi avevano ancora soltanto un film a disposizione, prima della scadenza del contratto e dovevano necessariamente concentrare tutta la narrazione il più possibile entro la conclusione della pellicola stessa.

Ne nacque ugualmente un film potentissimo, vibrante emozione per tutti i suoi 136 minuti e con una sintassi narrativa incalzante, come non lo sarà nessuno dei film successivi: fu una scelta stilistica che lasciò tantissimi fili scoperti, spiegazioni rimandate e sospensioni di giudizio etico che furono allora fraintese, dai detrattori delle opere successive, come scelte artistiche, quando invece erano dettate solo dall’impossibilità per i nostri fratelli registi di prevedere il loro futuro artistico.

Il successo fu però devastante ed allora i Wachowski ebbero davvero la mecca del cinema ai loro piedi: avevano aperto la grotta di Aladdin e liberato il genio dalla lampada e come prima cosa vollero il potere di fare e disfare a piacimento le loro storie e per questo fecero un azzardo commerciale ed artistico incredibile: si fermarono.

Non si limitarono, difatti, a replicare il successo del primo film, semplicemente raccontando le avventure di un “Super Neo” in giro per il Matrix, impegnato a sconfiggere le macchine cattive, come una sorta di Superman che alla fine del primo capitolo si mostrava capace anche di volare, no, essi non fecero come il loro personaggio più umano e simbolico, Cypher, il traditore che come gli altri ribelli conosce la menzogna del Matrix ma sceglie di non sapere, sceglie di dimenticare (fatto per il quale Agent Smith lo chiama Mr. Reagan, perché come il presidente Ronald Reagan, malato di Alzheimer, fa l’attore e non ricorda nulla).

I nostri due fieri cineasti si riufitarono di cedere alle richieste della Warner che chiedeva loro semplcemente di dare un seuito al primo film, ma rimisero tutto in discussione, ritornando agli albori dell’idea che avevano partorito da studenti di college, che avevano maturato mentre lavoravano con i comics e cominciarono a delineare tutti i contorni della loro cosmologia, qualcosa che partiva dal Matrix e dalla trilogia che stavano scrivendo, ma che poi usciva e si allargava coinvolgendo tutta la loro filmografia presente e futura: in quel preciso momento, nel cuore di Laurence e Andrew, nacque l’idea di un cinema politico e rivoluzionario, in cui i dettami di libertà e gli aneliti di giustizia fossero scanditi con lo spirito orgoglioso ed indomito dell’entusiasta visionario di comics e manga, dello spettatore di wuxia e del lettore di sci-fi cosmica, del cinefilo impetuoso che non cita o plagia, ma vive letteralmente dentro lo spazio filmico creato dai suoi colleghi, come fosse uno spazio dimensionale ed un progetto di vita.

Dopo 4 anni di lavoro incessante nel loro personale laboratorio di idee, nel 2003, a distanza di pochi mesi l’uno dell’altro, escono tre progetti multimediali, “The Animatrix”, “The Matrix Reloaded” e “The Matrix Revolutions”, tutti dedicati alla mitologia del Matrix e che assieme al primo film (nonché ad un paio di videogames) compongono un preciso quadro d’insieme.

Dei tre progetti, quello a cui è stato affidato dagli stessi Wachowski il ruolo di guida nel loro mondo narrativo è senza dubbio l’antologia direct-to-video (solo per il mercato Home Video) dei nove cortometraggi animati di “The Animatrix”, realizzati da una collaborazione di studios statunitensi e giapponesi, che in modo magistrale crea il background storico di tutte le narrazioni, raccontando gli antefatti che hanno portato le macchine a governare l’esistenza, a creare l’artificio del Matrix e di conseguenza, quale reazione e valvola di sfogo necessaria, la stessa Zion umana.
E’ un’opera fondamentale, non solo per un appassionato di animazione, ma per chiunque voglia capire davvero come è cambiato il mondo del cinema e della sci-fi dopo Matrix.

Proprio per questi motivi, anche se rilasciata sul mercato solo due settimane circa dopo il secondo film della trilogia (per questioni tecniche distributive), l’antologia di animazione andrebbe vista prima di “The Matrix Reloaded”, in cui invece, già dallo stesso titolo, si avverte l’urgenza per lo spettatore stesso di fermarsi anch’egli a riflettere su ciò che sta guardando.

“Reloaded” risultò infatti un’opera controversa, amata da chi attendeva il verbo dei due registi visionari ed odiata da chi si aspettava solo adrenalina e fascinazioni, senza dubbio maggiormente innovativa del narrativamente più semplice e concitato primo film, stracolma di fascinazioni provenienti direttamente dall’Asia e con un livello di tecnologia applicata al cinema da lasciare storditi, ma anche con un ritmo complesso ed altalenante, piena di momenti di spiegazioni filosofico-strutturali, fatte con l’irruente ingenuità propria del giovane rivoltoso, di chi ossia pensa che tutto il mondo debba stare ad ascoltarlo proferire la verità rivelata e che ha il suo massimo punto di crisi nella lunga sequenza del colloquio tra Neo ed il personaggio “The Architect”, il programma di computer che ha creato le varie release del Matrix, che ha progettato la stessa Zion e della quale ha pianificato la sua ciclica distruzione e rinascita.

Senza avventurarci anche noi nelle spiegazioni del caso, di cui per altro il web è stracolmo da anni, in quella sequenza vennero date tutte le spiegazioni necessarie e se queste si sommavano a quanto già raccontato nei cortometraggi d’animazione di “The Animatrix”, allo spettatore non sarebbe teoricamene mancato nulla per godersi la visione e  capirne tutti i passaggi, ma Laurence e Andrew Wachowski peccarono, ahimé, di superbia ed ingenuità, pensando che tutto il mondo fosse fatto come loro, che tutti gli spettatori avessero la loro splendida predisposizione ad accogliere il fantastico ed il sogno ad occhi aperti (liquid dream) e quindi non previdero che  solo una piccola porzione del pubblico vide (o capì) davvero “The Animatrix” e che tutti gli altri affrontarono il secondo ed il terzo film della trilogia senza realmente voler capire nulla di più di quanto avessero già apprezzato nel primo e che pertanto accolsero con notevole frustrazione ed anche un po’ di fastidio le ulteriori spiegazioni presenti in quello ed anche nel film successivo.

Come dice, infatti, Zack titolare del blog Per Un Pugno di Cazzotti ed anche uno dei miei più amati opinion leader, «Il cinema dei fratelli Wachowski è cinema di nicchia, ma realizzato con budget e ambizioni del cinema mainstream […] I Wachowski sono gli artisti e le personalità di cui la nostra società e l’umanità intera ha bisogno per crescere ed evolversi, ma sono anche gli artisti che non ci meritiamo perché non siamo ancora tutti pronti ad amarli e a comprenderli fino in fondo»

Ancora oggi, a più di un decennio di distanza, dei due meravigliosi film conclusivi, tecnicamente ed emotivamente superiori al primo, restano davvero intonse, anche agli occhi dei più perfidi (o sbadati) detrattori, solo le meravigliose sequenze d’azione, come quelle in “Reloaded” ambientate sulla Highway ed il duello sopra il camion tra Morpheus ed i Twins (i gemelli, inviati all’inseguimento dei nostri eroi dal software denominato The Merovingian), ma anche i nuovi personaggi iconici, come Niobe (una spettacolare Jada Pinkett Smith, comandante abilissima della sua nave) o il Keymacher (software incaricato di creare scorciatoie per gli altri programmi per velocizzare il transito degli stessi dentro il Matrix).

Chi a suo tempo comprese queste opere ed il dolore che raccontavano di un’umanità schiavizzata e ciclicamente distrutta o anche chi si è solo lasciato andare alla contemplazione di tanta meraviglia, avrà per sempre nel suo cuore immagini come quella dell’epica lotta senza quartiere tra umani e macchine, impersonata dall’eroico character del capitano Mifune (grazie anche al virile ritratto lasciatoci dall’attore neozelandese Nathaniel Lees), che in “Revolutions“, nella celeberrima scena nel porto di Zion, combatte fino all’ultimo anelito di vita contro l’impossibile orda di piovre meccaniche che piovono dal soffitto, in un conato infinito di violenza bellica) ed infine l’uso spregiudicato della computer graphic, usata a profusione per tratteggiare personaggi, fisicità impossibili e duelli che resteranno per sempre nell’immaginario cinematografico.

Un capitolo a parte, trasversale a tutta la trilogia cinematografica, spetta senza dubbio all’anomalia, come tale la definì “Deus Ex Machina”, la macchina leader (che poi è anche The Architect e The Oracle, tutte facce della stessa entità), per la cui distruzione era costretto periodicamente a resettare il sistema, distruggendo il Matrix ed uccidendo tutti gli umani consapevoli (quindi, salvi quelli nei baccelli e morti quelli a Zion), quello che a mio avviso è uno dei 10 più importanti character della storia del cinema: Agent Smith, nella magica interpretazione di Hugo Weaving, che per tutti e tre i film continua a chiamare imperterrito il nostro eroe “Mr. Anderson”, con quel che di minaccioso e formale che attinge direttamente alla summa di tutti gli agenti della FBI, della NSA, dei MIB che il cinema e la Tv statunitensi abbiano mai raccontato.

Nella prossima ed ultima parte della nostra panoramica in due puntate sui fratelli Watchowski, parlaremo di terroristi eroi, macchine da corsa psicadeliche, schiavisti e mietiture galattiche, il tutto raccontato dai capolavori di questi due geni della settima arte a cui va la mia imperitura gratitudine.

Continua su:

The Wachowskis Parte 2 di 2: all boundaries are conventions

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In questo film abbiamo parlato di:

Assassins, USA, FRA, 1995
sceneggiato da Lana ed Andy Wachowski e Brian Helgeland
diretto da Richard Donner

Bound, USA, 1996
scritto e diretto da Lana ed Andy Wachowski
interpretato da Gina Gershon, Jennifer Tilly e Joe Pantoliano

The Matrix, USA, 1999
scritto e diretto da Lana ed Andy Wachowski
interpretato da Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss

The Animatrix, USA, 2003
scritto dai Wachowskis, Morimoto, Watanabe, Chung e Kawajiri
diretto da Morimoto, Watanabe, Maeda, Chung, Kawajiri, Jones, Koike

The Matrix Reloaded, USA, 2003
scritto e diretto da Lana ed Andy Wachowski
interpretato da Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss

The Matrix Revolutions, USA 2003
scritto e diretto da Lana ed Andy Wachowski
interpretato da Keanu Reeves, Laurence Fishburne, Carrie-Anne Moss

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Per chi desiderasse fare un confronto tra le due sceneggiature usate dal produttore Joel Silver per il film “Assassins”, trovate qui di seguito i link per entrambe le versioni:

Sceneggiatura Originale
di Andy and Lana Wachowski

Sceneggiatura rimaneggiata
da Brian Helgeland

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