Non temete il Cambiamento

Photo by Artem Yankovsky

Chi ha occasione di leggere con frequenza le mie esternazioni sa bene che uno degli adagi popolari che più spesso amo citare è quello che recita «sasso che rotola non fa muschio», sottolineando fondamentalmente il primato del cambiamento contro l’immobilismo, dell’evoluzione contro l’entropia, del progresso contro il conservatorismo: amo quel proverbio perché sono seriamente convinto che spesso sia meglio correre il rischio di slacciarsi le cinture di sicurezza e sporgersi pericolosamente per guardare fuori dell’auto in cui viaggiamo, agendo fuori dagli schemi, mettendo in discussione le proprie certezze e quelle di chi ci circonda, osservando il mondo in cui viviamo sotto diverse prospettive, sperimentando nuovi gusti e sapori, provando a raggiungere gli stessi posti da strade diverse ed uscendo, non solo metaforicamente, dalla propria bolla di filtraggio, cercando cose diverse da quelle a cui siamo abituati, spiazzando così anche gli algoritmi di ricerca dei colossi del web.

“Laurence Anyways” di Xavier Dolan (2012)

Il cambiamento non deve essere temuto in modo preconcetto, con la paura di peggiorare la nostra condizione o quella delle persone e delle cose che ci circondano, perchè i mutamenti che ci portano a regredire (come, ad esempio, l’aumento incontrollato della chimica di basso consumo nell’alimentazione, il riscaldamento globale, l’assottigliamento progressivo della biodiversità, la diminuizione delle tutele sociali, la perdita di diritti prima acquisiti o molto più prosaicamente il dover pagare per ciò che prima ci veniva elargito gratuitamente) non sono mai colpa di una vera e sincera volontà di progresso, ma dell’incancrenirsi di situazioni e di problemi antecedenti, di speculazioni economiche senza alcun interesse per un migliore risultato, di vecchie scelte sbagliate basate sull’eterna vigliaccheria da parte di governanti che preferiscono non rischiare il favore del proprio elettorato e di uomini di potere che ad ogni livello hanno scelto di percorrere solo le strade già sperimentate per ignavia o interesse personale, come quei baroni che nelle università e nei centri di studio oscurano i ricercatori innovativi per bieco spirito corporativo o ancora peggio per un più deteriore nepotismo.

“Euphoria” di Sam Levinson (2019)

All’opposto, la verità si nasconde in preferenza nelle pieghe nascoste di ciò che non conosciamo e che spesso temiamo, come ha ben spiegato il formidabile Louis Ferdinand Destouches, meglio noto come Céline, che nel 1924 dedicò la sua tesi di laurea alla vita ed all’opera del dottor Ignác Semmelweis: quando nel 1842 la febbre puerperale, che uccideva le partorienti dentro la clinica ostetrica dell’Ospedale Generale di Vienna, raggiunse il picco di 33 donne decedute su cento ricoverate, egli comprese che la morte veniva portata dalle stesse mani dei medici i quali, dopo aver dissezionato i cadaveri, andavano ad assistere le partorienti, ignorando l’esistenza stessa dei batteri; tuttavia, anche se a seguito della scoperta di Semmelweiss i medici cominciarono a lavarsi le mani dopo aver toccato i cadaveri (facendo crollare di colpo la percentuale dei decessi), tutto il mondo accademico, ferito nell’orgoglio di casta, fece quadrato contro quell’irriverente uomo di scienza libero e curioso, creandogli attorno un deserto di indifferenza e disprezzo tale da condurlo fino alla pazzia ed alla morte.

“The Knick” di Steven Soderbergh (2014-2015)

Quando si devono fare scelte di vita o di lavoro, così come quando si giudica un prodotto di intrattenimento culturale (che è poi ciò che davvero interessa al mio blog), il misero limitarsi a battere ogni volta solo la vecchia strada, evitando il rischio di un nuovo approccio, prima ancora che prudenza e buon senso, è spesso solo espressione di pigrizia intellettuale: in particolare, a spingere verso il rifiuto della novità, anche coloro che una volta sono stati appassionati delle nuove estetiche e che si sono sentiti, per una breve ed infiammata stagione, veri spiriti liberi, è la volontà pervicace di restare attaccati a ciò che si è sperimentato ed appreso da giovani, quando il cervello era ancora duttile e desideroso di apprendere nuove informazioni, falsando oggi, a posteriori, i propri giudizi e sopravvalutando quel misero tesoretto di conoscenze acquisite o di esperienze di lettura e di visione fatte, magari tristemente spalleggiati dai propri coetanei, affetti dallo stesso morbo di conservatorismo egoistico.

“Fitzcarraldo” di Werner Herzog (1982)

Per rendersi conto dell’entità di questo diffusissimo pregiudizio critico, basta chiedere al nostro prossimo quali siano i libri, i film o le serie televisive maggiormente apprezzate e quasi sempre, dopo un iniziale e falso excursus di autori contemporanei scelti a caso, ci si ritrova ad ascoltare il piagnisteo nostalgico di qualcuno che esalta tutto ciò che è stato prodotto in un decennio passato, guarda caso proprio coincidente con quello della sua giovinezza: è così che periodicamente vediamo fiorire in TV e sui social patetici gruppi di esaltazione onanistica non solo di pellicole e show rappresentativi di un certo periodo storico, ma anche di gruppi musicali, gadget, snack e vari oggetti di consumo, santificando persino jingle e spot pubblicitari, nemmeno fossero reliquie preziose, in un delirio di rincoglionimento al cui confronto le chiacchiere ripetitive di un gruppo di ottuagenari in sedia a rotelle e catetere urinario, seduti in circolo in qualche cronicario, apparirebbero più sensate.

“Stranger Things” di The Duffer Brothers (2016-2020)

Quante volte mi è capitato di sentire, nel periodo in cui gestivo una fumetteria specializzata in prodotti multimediali d’importazione, certi miei coetanei sentenziare che gli anime trasmessi e distribuiti allora in Tv ed in Home Video non avevano la bellezza e lo spessore narrativo di quelli di anni prima, come Candy Candy o UFO Robot Goldrake e se in quel periodo quelle affermazioni venivano già clamorosamente smentite da serie televisive contemporanee meravigliose, come Serial Experiments Lain , Cowboy Bebop o Neon Genesis Evangelion, oggi anche coloro che a suo tempo ridevano di quei conservatori nostalgici si ritrovano adesso a ripetere lo stesso errore, non tentando nemmeno di restare in sintonia con le nuove produzioni.

“UFO Robot Goldrake” di Gō Nagai (1975-1977)

Come nella ricerca scientifica, così anche in arte l’immobilismo è la morte, almeno quanto il didascalismo lo è per la creatività narrativa: se non fosse il triste sintomo di una precoce sclerotizzazione critica, farebbe sorridere, ad esempio, la strenua ed insensata difesa che da molti viene fatta di canoni letterari consolidati, persino nelle storie di magia o fantasy, come quando si rigettano le rappresentazioni di vampiri che si muovono liberamente alla luce del sole o che non temono il crocefisso, perché le persone purtroppo tendono a restare bloccate sulle nozioni apprese, anche quando esse non sono frutto di analisi scientifica ma solo di finzione e cliché reiterati.

“Climax” di Gaspar Noé (2018)

Giacché alla fine ciò che dovrebbe contare è solo e soltanto la storia e come questa sia stata realizzata, è squallido e patetico, ad esempio, giudicare negativamente i romanzi o i film della serie di Twilight soltanto per la loro non ortodossia alle regole fenomenologiche del vampirismo classico, perchè queste non sono dettami obbligatori o leggi divine sacre ed immutabili scolpite nella pietra, ma sono solo una finzione letteraria ed un espediente narrativo: molto più calzante e corretto, invece, esaminare le storie di Stephenie Meyer per ciò che sono state sin dall’inizio ovvero romanzi sentimentali, dove la bigotta scrittrice mormone ha voluto raccontare i turbamenti sentimentali di una adolescente trapiantata nella provincia montana statunitense dopo il divorzio dei genitori ed affetta da un onnipotente delirio onirico di essere posseduta, anche carnalmente, da un semi-dio.

“Twilight” di Catherine Hardwicke (2008)

Nulla, in quest’ottica di critica letteraria, impedisce successivamente, come è avvenuto a me, di etichettare l’intero franchise come spazzatura letteraria (dello stesso bidone della raccolta differenziata della trilogia di Fifty Shades – Cinquanta Sfumature, l’altro irricevibile franchise, orchestrato dalla britannica Erika Leonard James, qui citato per gli svariati punti semantici in comune con la saga della Meyer), distinguendolo invece dall’esercizio di marketing rappresentato dalle sceneggiature della valente Melissa Rosenberg, per altro già scrittrice e showrunner della fiction Jessica Jones), furbissima artefice della trasformazione di quella storia d’amore (dai romanzi al cinema) in un plot supereroistico.

“Fifty Shades of Grey” di Sam Taylor-Johnson (2015)

Negli ultimi decenni la letteratura è cambiata profondamente (così come i nuovi linguaggi videoludici e cinematografici), seguendo il doppio binario della normale evoluzione stilistica da una parte e degli strattoni del commercio dall’altra, ma per poterla giudicare va prima capita, senza rifiuti trascendentali (slegati ossia da una vera esperienza diretta ma basati solo su vecchi giudizi consolidati), altrimenti si rischia davvero di non comprendere fenomeni di massa come l’invasione nel mercato editoriale internazionale della narrativa Young Adult e New Adult (quest’ultimo genere più recente del primo e destinato ad un target maggiorenne, con l’abbandono degli scenari fantastici o futuristici, privilegiando la descrizione dei problemi concreti che personaggi ventenni o trentenni inontrano nei momenti salienti dello loro scelte di vita).

“Divergent” di Neil Burger (2014)

Più in generale, si può affermare che non abbia alcun senso giudicare un’opera artistica per la sua fedeltà ad un canone o peggio per il rispetto ad una tradizione: adagiarsi su un metodo consolidato, da parte di un autore, non è un maniacale ripudio della confusione, ma è piuttosto espressione di vigliaccheria, marchio indelebile di artisti codardi che non possono per questo aspirare dall’essere nulla più che mestieranti, avendo scelto la comoda strada di chi ricalca i successi del suo passato, sfornando repliche dell’originale, via via sempre più sbiadite.

“The Case of Hana & Alice” di Shunji Iwai (2015)

Senza scomodare grandi personalità del Novecento, come Kandisnky o Klee, che furono anche saggisti critici, tutto il mondo della pittura, della scultura e del cinema ha sempre abbracciato l’esplosione del caos e l’eccitante frenesia della rottura con la tradizione, indicandolo come un momento di crescita e questo persino in autori che sembravano fondare la loro missione nella riscoperta dei classici, giocando ai restauratori ed ai conservatori, quando invece tra le pieghe della loro adulazione al potente di turno veicolavano la fascinazione di nuove prospettive.

“Skyfall” di Sam Mendes (2012)

Il ripudio dei legami aprioristici alle consuetudini non può chiaramente non coinvolgere anche il discorso, molto più ampio e complesso, sulle traduzioni da una lingua straniera alla nostra, ma sia chiaro sin da subito, per evitare qualsiasi fraintendimento, che ogni cambiamento al ribasso (volto ossia solo a risparmiare tempo e denaro negli adattamenti, a scapito della fedeltà al testo originale) non è mai vera novità, ma semplicemente lo squallido espediente di un imbonitore, come uno di quei truffatori appostati fuori delle stazioni ferroviarie che usa il trucco delle Tre Carte per confondere il lettore o lo spettatore.

“Can You Ever Forgive Me? – Copia originale” di Marielle Heller (2018)

Tra i tantissimi possibili esempi di questa pratica molto diffusa nel mondo dell’intrattenimento culturale, di certo uno dei più significativi è quello della storia editoriale de L’Immortale, il capolavoro manga di Hiroaki Samura (si, proprio quello da cui Takashi Miike nel 2017 trasse l’omonimo suo film): dal 1997 al 1999, la prestigiosa casa editrice Comic Art pubblicò i primi nove volumi dell’opera, in un’edizione che poteva vantare, oltre ad una curatissima veste tipografica, anche un’eccellente traduzione dal giapponese, frutto di un lavoro storiografico sulla lingua italiana e nipponica dei secoli scorsi, per avvicinare la traduzione al testo originale, costruito su locuzioni e terminologie militaresche e di corte settecentesche (la storia è infatti ambientata nel secondo anno dell’era Tenmei); dopo il fallimento della Comic Art, la Panini Comics acquisì i diritti dell’opera, proseguendo la pubblicazione dei restanti volumi, ma per tagliare i costi decise di licenziare la precedente traduttrice e semplificare il lavoro, accorciando e banalizzando i testi, uniformadoli a quello dei manga di tipo shonen, diretti ad un pubblico adolescenziale contemporaneo.

“Mugen no Jūnin – L’immortale” di Takashi Miike (2017)

Caso diametralmente opposto, invece, quello dei lettori che si oppongono in modo testardo a qualsiasi nuovo trattamento di un testo storico, non perché sia peggiore o meno fedele del vecchio, ma solo perché non è ciò a cui si sono abituati dopo tanti anni: il mio pensiero ovviamente non può non andare immediatamente ai patetici difensori talebani delle versioni storiche della trilogia de Il Signore degli Anelli (dalla prima che fece Vittoria Alliata di Villafranca nel lontano 1967 per la casa editrice Astrolobio, poi le successive impudenti incursioni linguistiche fatte da Quirino Principe in occasione dell’edizione fatta da Rusconi nel 1970 ed infine il profondo rimaneggiamento operato da Bompiani nel 2003) e al conseguente rigetto aprioristico  della nuova recentissima traduzione, curata da un preparatissimo professionista del settore come Ottavio Fatica, vero maestro nelle traduzioni di grandi autori stranieri, il quale, in strettissima collaborazione con la Associazione Italiana Studi Tolkieniani (per qualsiasi dubbio al riguardo, leggete una delle loro tante dichiarazioni in merito), ha costruito una nuovissima texture di nomi e situazioni allo scopo di avvicinare il nuovo testo alle intenzioni semantiche e visive primigenie di Tolkien, facendo definitivamente uscire i libri del maestro britannico del fantasy dalla nicchia strettissima (per quanto dorata) in cui è stato fino ad oggi relegato e salutarlo come uno dei tanti grandi romanzi europei.

“The Lord of the Rings: The Return of the King” di Peter Jackson (2003)

Allo stesso modo è da persone grette giudicare le varie stagioni della serie televisiva della HBO Game of Thrones usando come unica bussola critica la sua palese infedeltà ai romanzi scritti dal lentissimo George R. R. Martin, limitandosi a registrare il suo progressivo distanziarsi dall’opera letteraria, perdendo così l’occasione di rendersi conto della evidente qualità artistica di questa fiction: piacciano o meno le soluzioni di storytelling che hanno portato alla conclusione dell’ultima stagione, è infatti da ciechi presuntuosi non considerare questa produzione televisiva per il suo specifico filmico ovvero per la straordinaria forza comunicativa ed efficacia visiva, sciorinata in un crescendo registico e narrativo che, dopo una seconda stagione zoppicante, ha visto crescere, dalla terza serie in poi, il suo potere affabulatorio con la costruzione di un intero mondo di microstorie e personaggi, con immagini di una potenza prima mai vista in televisione e soprattutto con soluzioni e svolte narrative spesso radicali, regalando allo spettatore fino alla fine una carrellata indimenticabile di scene madri, draghi meravigliosi, omicidi efferati e battaglie campali, senza contare il merito indubbio di aver nuovamente riavvicinato alla cultura fantasy la popolazione televisiva di un’intero pianeta, tanto da diventare un fenomeno sociale e di costume (cosa che ovviamente ha fatto irritare ogni fan di questo genere letterario, che vede nell’intrattenimento culturale solo un ancella schiava delle proprie pulsioni, come una sorta di geisha da non condividere con nessuno al di fuori della propria casta di fini degustatori e che quando la propria amata ha troppo successo e notorietà, allora perde magia e valore e viene trattata come un paria).

“Game of Thrones” di David Benioff e D. B. Weiss (2011-2019)

Sentiamo spesso, nei film e nelle fiction televisive, ripetere da qualche personaggio più saggio di altri che «casa non è un posto preciso, ma è il luogo dove si vive con chi si ama» e così vale anche per la famiglia e per la propria chiesa: non conta dove preghiamo, ma come lo facciamo, così come non conta chi sia il genitore biologico di qualcuno ma come si è preso cura della propria prole ed è proprio con questo spirito di cambiamento che suggerisco a tutti di guardare un film decisamente minore, nel novero dei cinecomics miliardari, assolutamente non immune da difetti o eccessive semplificazioni di trama (caratteristica per altro simile ad ogni sceneggiatura di pellicole appartenenti al sotto gruppo supererositico) e che anzi, in svariati punti, farà storcere la bocca ad ogni vero appassionato di cinema, ma che tuttavia lascia un segno indelebile in chiunque sappia guardare aldilà del proprio naso, perché è davvero impossibile trovare un’altra pellicola mainstream, soprattutto nordamericana, che abbia saputo esprimere in modo altrettanto degno il concetto di famiglia allargata e di inclusività come il fracassone e goliardico film di David F. Sandberg.

“Shazam!” di David F. Sandberg (2019)

Sasso che rotola non fa muschio, dicevamo all’inizio ed è effettivamente l’invito che ora rivolgo, questa volta con tutto il cuore, a tutti voi che leggete ora: abbandonate i vostri pregiudizi e le vostre chiusure mentali (All Boundaries Are Conventions veniva ripetuto nel capolavoro delle sorelle Wachowski), liberando la potenza del vostro spirito critico per le cose che davvero contano, usando la capacità di analisi delle strutture per capire se le novità che vi vogliono vendere (non solo economicamente) funzionino davvero o non siano solo una bufala, provando ad amare le persone e non le cose che ve le ricordano, salutando i morti e preoccupandovi dei vivi, non temendo di cambiare casa o città solo perché è là che siete cresciuti o perché è il luogo dove avete visto nascere o morire qualcuno e non abbiate paura nemmeno di cercarvi un nuovo partner se quello vecchio non vi stima o vi maltratta (fiscamente o anche solo psicologicamente), ma fate sempre tutto questo con il rispetto per il vostro prossimo, perché alla fine chi ci sta vicino è l’unica cosa che abbiamo e su cui possiamo davvero contare.

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Immagine di copertina Copyright by Artem Yankovsky. All rights reserved. Born in 1980, Artem Yankovsky is a photographer based in Samara, Russia. Sito web su Cuded: Photography By Artem Yankovsky

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Grazie a Lisa e Sarino

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