Hailee Steinfeld, una Capuleti nel Far West

O Romeo, Romeo, wherefore art thou Romeo?
Deny thy father and refuse thy name;
Or if thou wilt not, be but sworn my love
And I’ll no longer be a Capulet.

Oh Romeo Romeo perché sei tu Romeo?
Rinnega tuo padre, rifiuta il tuo nome;
O se non vuoi, giura che mi ami
E non sarò più una Capuleti.

Dall’atto secondo, scena seconda, versi 33-36 di “The Most Excellent and Lamentable Tragedy of Romeo and Juliet” o più sinteticamente “Romeo and Juliet”, tragedia in cinque atti composta da William Shakespeare sull’estremo limitare del ‘500 ed ambientata tra Verona e Mantova: la vicenda sentimentale e drammatica dei due giovani amanti, sullo sfondo della terribile faida delle loro famiglie (Romeo è un Montagues, mentre Juliet è una Capulets, Montecchi e Capuleti nella traduzione italiana) è divenuta nei secoli quasi un simbolo stesso dell’amore contrastato e di certo io non aggiungerò nulla a questo archetipo perfetto.

Lo stesso spero che abbiano pensato anche le decine e decine di sceneggiatori cinematografici, che ugualmente hanno cercato di raccontare qualcosa di loro in una storia, di cui oramai anche i muri, non solo di Verona, conoscono ogni dettaglio: dal 1900 ad oggi non sono passati tre anni, infatti, senza che nel mondo qualche produttore non decidesse di mettere in scena su pellicola questa tragedia ed abbiamo da tempo superato i 40 film, tra cinema e Tv, tratti dallo stesso testo di Shakespeare.

Chiunque legga questo mio post, potrà sbizzarrirsi nel cercare nella sua memoria la versione che meglio ricorda o che più lo ha colpito, da quella storica di Renato Castellani (che vinse il Leone d’Oro a Venezia nel 1954), fino a quella pop e barocca di Baz Luhrmann che, con il suo “Romeo + Juliet” del 1996 e la famosa interpretazione di Leonardo DiCaprio, spostò la vicenda ai giorni nostri, ambientandola nella cittadina californiana di Verona Beach (chiunque abbia giocato a “GTA San Andreas” avrà un tuffo al cuore di nostalgia leggendo questo nome!) e sostituendo le spade con armi automatiche, in mano a loschi uomini d’affari locali.

Non è tuttavia davvero mio interesse ripercorrere le tantissime versioni cinematografiche della storia (comprese quelle di semplice ispirazione, come il pluripremiato musical “West Side Story”), ma vorrei solo soffermarmi sulle scelte attoriali fatte nei vari film, con casting purtroppo non sempre fedeli e rispettosi della giovanissima età dei protagonisti del testo del bardo di Stratford-upon-Avon, soprattutto quando si è trattato di scegliere l’interprete di Juliet, parte nella quale raramente troviamo al cinema attrici fanciulle.

Senza dubbio costituisce, in questo senso, un’eccezione di grandissimo pregio il lavoro svolto da Franco Zeffirelli nel 1968, con la sua fedelissima trasposizione, ricchissima di dettagli e magistrale nella ricostruzione storica, nella quale finalmente vediamo due attori minorenni: Leonard Whiting ed Olivia Hussey, poco più che sedicenni all’epoca delle riprese.

Tutta questa lunga introduzione, solo per indicare la maggior virtù del film diretto nel 2013 dal regista italiano di grande talento (ma tutto sprecato) Carlo Carlei e scritto dall’inglesissimo e bravo Julian Fellowes, ossia quell’ennesimo “Romeo and Juliet” che vede una meravigliosa e perfetta Hailee Steinfeld nell’immortale ruolo di Juliet.

Malgrado la perizia del direttore di scena nel comporre il campo filmico e l’accuratezza dei costumi e delle ricostruzioni, nonché la bontà indubbia dei dialoghi (coraggiosamente parafrasati da Fellowes e non fedeli al testo originale della tragedia), il film procede in modo spento, quasi senza particolare emozione, coreografato più che fotografato, recitato indubbiamente bene, ma con quel non so che di scolastico che lascia indifferente lo spettatore, come una giornata passata a vedere un bellissimo lago artificiale, incastonato nella cornice suggestiva di un qualche hotel da un miliardo di stelle di Las Vegas.

L’unico motivo per cui si può seriamente parlare di questa pellicola di Carlei è senza dubbio la presenza ed il volto della Steinfeld, incredibilmente convincente nel suo essere una fanciulla costretta a diventare di colpo donna, amata ed amante in modo trascinante e travolgente: il suo volto brilla letteralmente della candida fanciullezza che sta per essere stroncata dall’umana tragedia, senza nemmeno per un istante fugace mostrare l’impostazione recitativa da teatro classico, che invece, ahimè, traspariva quasi sempre nelle più comuni interpretazioni; purtroppo, a causa dell’insipienza del film stesso, rubando le parole del divino monologo del replicante morente del noir cyberpunk di Ridley Scott, tutti questi momenti andranno perduti nel tempo, come lacrime nella pioggia.

Classe 1996, nativa di Tarzana (il quartiere di Los Angeles, a sud della San Fernando Valley, che deve il suo bizzarro nome alla tenuta posseduta dal romanziere Edgar Rice Burroughs, autore appunto del ciclo di romanzi dedicati all’immaginario uomo della giungla) la nostra Hailee aveva fatto il suo primo vero ingresso nel mondo del cinema tre anni prima, nel 2010, passando da giovanissima dalla porta principale, grazie al ruolo strepitoso di Mattie Ross, che i fratelli Coen le diedero nel film da loro stessi scritto e diretto: “True grit” (“Il Grinta” nella versione italiana).

“People do not give it credence that a fourteen-year-old girl could leave home and go off in the wintertime to avenge her father’s blood but it did not seem so strange then, although I will say it did not happen every day. I was just fourteen years of age when a coward going by the name of Tom Chaney shot my father down in Fort Smith, Arkansas, and robbed him of his life and his horse and $150 in cash money plus two California gold pieces that he carried in his trouser band.

La gente non può credere possibile che una ragazza di quattordici anni possa uscire di casa e andarsene fuori al freddo dell’inverno, per vendicare il sangue di suo padre, ma allora non mi sembrò così strano, anche se devo dire che non è certo una cosa che capita tutti i giorni. Avevo appena compiuti i miei quattordici anni quando un vigliacco, che va sotto il nome di Tom Chaney, sparò a mio padre, giù a Fort Smith, nell’Arkansas, derubandolo della vita, del suo cavallo e di 150 dollari in denaro contante, più due pezzi d’oro della California, che portava nella tasca nascosta sotto la cinta dei suoi pantaloni”

Questo sopra è l’asciutto e cinico incipit con cui inizia il romanzo western originale, che lo scrittore Charles Portis diede alle stampe nel 1968 e da cui, oltre all’omonimo film di Joel ed Ethan Coen appena citato, era stato precedentemente tratto (con moltissime più libertà rispetto alla novella) anche il primo celebre film con John Wayne e che valse a quest’ultimo un meritatissimo oscar come attore protagonista.

Se il film del 1969 diretto da Henry Hathaway, però, fu una vera sinfonia per voce solista, scritta da Marguerite Roberts come speciale partitura per The Duke, il film del 2010 recupera tutta la potenza anticonformista e selvaggiamente pionieristica che vedeva una ragazza minorenne precipitarsi a gamba tesa nel violento e maschilista mondo del Far West letterario e criminale.

Come già nel romanzo di Portis, anche nel film dei normalmente bizzarri e stralunati (ma non qui, non in questo film) cineasti del Minnesota, il vero motore della vicenda è proprio lei, l’adolescente Mattie, che riesce a contrattare faccia a faccia con dei rozzi e violenti uomini di frontiera: una ragazzina quattordicenne, anche voce narrante della storia, che caparbiamente tiene testa a cacciatori di taglie, sceriffi in pensione e burberi omaccioni, senza assurdità o ironie o eccentricità di dialogo.

Mentre Jeff Bridges, malgrado una tesissima interpretazione nei panni di Reuben Cogburn (lo US Marshal senza paura e senza un occhio, ex-veterano della Guerra Civile dalla parte dei Confederati), non riesce a sfuggire ad un impietoso confronto con l’archetipo di John Wayne (ma forse non voleva, giacché per tutto il film l’ispirazione al modello irraggiungibile è palese e devota), la Steinfeld è la vera stella del film, mettendo in ombra immediatamente e senza pietà la Kim Darby, che nel film del 1969 aveva interpretato da ventenne il medesimo ruolo: con il suo sguardo caparbio ed il suo vero coraggio (che usa per sconfiggere i suoi timori iniziali), la Mattie Ross messa in scena nella pellicola dei Coen non usa mai i registri recitativi della malizia o della seduzione e nemmeno quelli della tenerezza e della coccolosità infantile, né lavora sui sentimenti o sulle pulsioni degli uomini adulti, possibili padri o futuri mariti (ci si sposava giovani in quel periodo e l’adolescenza segnava per una donna l’ingresso nell’età da marito, sia sessualmente che socialmente), ma convince i suoi antagonisti con la determinazione e così anche lo spettatore.

Una capacità di variare il suo approccio ai dialoghi ed alle espressioni facciali che la Steinfeld mostra di possedere e dominare con grandissima perizia, modulando le sue mimiche e posture in base al copione, come dimostrerà anni dopo, alternando la dolcezza e la romanticheria sfrenata della Juliet del film di Carlei (di cui abbiamo parlato all’inizio), alla sodale e sincera amicizia con il giovane protagonista maschile del film fantascientifico “Ender’s Game”, prodotto nel medesimo anno.

Quel sentimento di pervicacia coraggiosa (un tempo, si sarebbe definita virile, usando un aggettivo sessista) presente nello stile recitativo usato in “True Grint”, si arricchisce, nel film scritto e diretto da Gavin Hood, del caldo e partecipe sentimento di fratellanza, con cui, senza alcuna ambiguità, il personaggio della giovanissima Petra Arkanian si schiera a fianco del coetaneo Andrew Wiggin (nell’interpretazione dell’indubbiamente antipatico ma efficace Asa Butterfield).

A differenza di quanto accaduto nel suo film western d’esordio, qui la bravura della Steinfeld giganteggia anche sopra il film, che, purtroppo, malgrado le ottime intenzioni ed alcuni splendidi spunti visivi, esprime solo in minima parte la potenza immaginifica, nonché la vis polemica e di critica sociale, che invece possedeva il romanzo (primo di una lunga e premiatissima serie) di Orson Scotton Card; per chi volesse approfondire l’interessantissima figura dell’autore e del suo rapporto con il mondo dei comic supereroistici, rimando all’esaustivo articolo del vecchio blog Conversazioni sul Fumetto, prestigioso sito WordPress che da Ottobre 2013 si è reincarnato nell’ottimo magazine online di news e riflessioni Fumettologica.

La cosa buffa, di questo comunque affascinante e da me consigliato film di sci-fi, è che l’aspetto più criticato, dalle menti superficiali e massimaliste che a suo tempo lo stroncarono, non è la reale eccessiva semplificazione della trama o l’evidente assenza di importanti parti del romanzo, ma la presunta assurdità della giovanissima età delle reclute militari, che vengono di fatto chiamate a comandare l’intera truppa terrestre di invasione intergalattica.

E’ stata, ossia, da molti criticata e confusa la parte di “Ender’s game” invece proprio più importante e significativa di tutto il racconto (sia filmico che letterario), il che rende la cosa ancora più assurda, considerando che qui non siamo nemmeno lontanamente in zona young-adult o peggio teen-story (come più di un solone superficiale ha apostrofato), ma siamo al contrario nel cuore oscuro dell’aberrazione sociale di infanzie mortificate dalla ragion di stato o se vogliamo nella crudeltà dei giochi di simulazione terroristica dei kamikaze minorenni, in quello stesso splendido e spaventoso universo rovesciato in cui si muovevano i personaggi archetipi del leggendario romanzo di formazione “Lord of the Flies” (“Il Signore delle mosche”, nelle varie edizione italiane della Mondadori), dello scrittore premio Nobel William Golding o più modernamente in tutto l’universo concepito da Roberto Recchioni e Massimiliano Mammucari, per la loro grandiosa serie popolare a fumetti “Orfani” (sulla cui struttura, studiata in archi narrativi che strizzano l’occhio alle attuali serie Tv, ci sarebbe tanto da dire, ma di certo non qui, non in questo post).

Negli anni successivi, Hailee Steinfeld prenderà parte ad altre produzioni cinematografiche, ma con ruoli minori e decisamente dimenticabili, tra i quali ci piace ricordare tuttavia quello di Zoey Renner, figlia dell’attempato operativo CIA, ammalato di cancro, Ethan Renner nel film “3 Days to kill”, per il cui ruolo fu chiamato un redivivo Kevin Costner.

Precisiamo che il film in questione è una “puttanata mica male” (per rubare una meravigliosa definizione che il mio amico e stimatissimo collega Lapinsu, dell’omonimo blog, usò nello specifico per catechizzare un altro film, “Lucy” di Besson, ma che anche su questo scrisse all’epoca un’acuta e curiosissima recensione).

La mediocrità del film è onestamente anche abbastanza stupefacente, perché autori, attori e cast tecnico erano tutti di ottimo livello, ma effettivamente anche un po’ a rischio: McG come regista si sa che è un ragazzino troppo cresciuto a cui va messo sempre il freno di una sceneggiatura blindata e di un decoupoage molto dettagliato (altrimenti, invece che film come il primo spassoso capitolo delle “Charlie’s Angels” o come il robusto “Terminator Salvation”, rischia di fare delle cose terrificanti), Luc Besson, come sceneggiatore e produttore, anche se davvero vulcanico dal punto di vista creativo, ha un ritmo produttivo sinusoidale (alternando action e commedie efficacissime, come il franchise di “Taken”, a vaccate senza precedenti), infine Thierry Arbogast è semplicemente un dio della fotografia, senza zone d’ombra, che saprebbe trasformare un filmino di famiglia in un capitolo della saga di “The godfather”.

In pratica questo thriller ricorda una ricetta di cucina piena zeppa di ingredienti pregiati e normalmente molto buoni, ma assemblata senza animo e senza intelligenza, con scene che sembrano fotografie di una pop-star, ritagliate con le forbici da una rivista ed incollate sul suo diario personale da una bambina, vicino a foto di lei che fantastica un’impossibile relazione con il suo idolo: la condivisione dell’appartamento del protagonista con una famiglia di abusivi africani (con tanto di parto in casa) viene descritta con il ritmo indagatore di un episodio di “Don Matteo”, mentre le punture di siero miracoloso, che vengono praticate al protagonista ammalato, hanno un che di goffo ed infantile, come fossero la parodia di un vecchio film di fantascienza ed infine il rapporto tra Costner padre e la nostra Steinfeld figlia, sembra scritto sul retro di un tovagliolo della mensa degli autori di una qualsiasi fiction di Zack & Cody.

Provo ancora adesso imbarazzo per il montaggio sequenziale della scena macchiettistica, in cui Ethan salva Zoey da uno pseudo-stupro nei bagni di una discoteca e subito dopo, nemmeno fosse una ragazza cresciuta in un lager isolato dal mondo, le insegna ad andare in bicicletta e lei, che fino ad un momento prima sembrava anche espressivamente la Angelina Jolie di “Girl, Interrupted” (il bel film, un po’ da cartolina ma efficace, diretto nel 1999 da James “Kate & Leopold” Mangold) e poi di colpo diventa la ragazzina affettuosa, tutta scuola e famiglia che ogni padre vorrebbe avere per dormire sonni tranquilli: ridicolo, tutto semplicemente ridicolo, eppure, in qualche modo piacevole (il che mi ricorda mia nonna materna che, di fronte alla tavola piena di quei famosi appettitosi ingredienti di cui parlavamo prima, mentre io e mio fratello, armati di coraggio, ignoranza e sinale da cucina, ci accingevamo a preparare da mangiare, sotto la sua libertaria e maternalistica supervisione, soleva ripetere “Beh, con tutto questo ben di Dio dentro, non potrà venir fuori una cosa cattiva…”, pace all’anima sua).

Purtroppo, però, non sempre mettendo assieme ingredienti prelibati si ottiene un buon piatto, anzi, spesso l’aver usato senza criterio e capacità armonizzatrice tante cose belle e costose genera persino irritazione in chi, magari dotato di un buon palato, giudica un vero spreco aver rovinato tutto quel ben di dio: questo è il caso, a mio avviso, di “Homesman”, pellicola diretta da Tommy Lee Jones nel 2014 e da lui stesso sceneggiata in collaborazione con Kieran Fitzgerald e Wesley Oliver e di cui parliamo solo per via della presenza, al suo interno, di una particina minuscola della nostra giovane diva.

Per questo suo secondo film come regista, Lee Jones scelse di seguire il tracciato senza rischi che gli avrebbe di certo garantito l’appoggio dei grandi quotidiani e dell’establishment critico americano: come già fecero, infatti, i fratelli Coen con il loro “True Grit”, anch’egli andò a recuperare un vecchio romanzo di genere western, inedito in questo caso (anche se di Glendon Fred Swarthout, autore anche del romanzo “The Shootist – Il Pistolero”, da cui fu tratto nel 1976 l’elegiaco e bellissimo film di Don Siegel con John Wayne), cercando di fare, dell’omonima novella del 1988, una traduzione in film più intellettualoide e disincantata (tradendo ovviamente lo spirito di frontiera, per esaltarne temi proto-femministi assenti nel plot e colorando il tutto con un bizzarro senso di delirio molto fine a sé stesso).

Salutato con lodi entusiastiche da una prevedibile e succube critica statunitense, che ha esaltato un coraggio registico in realtà completamente assente e celebrando come innovativo quello che invece appare come un patetico tentativo di far passare un citazionismo sterile ed una recitazione piena di vuoti e di assenze come cifre di disagio significativo, ma che si rivelano purtroppo semplice inutilità artistica.

Sul versante recitativo, poi, abbiamo davvero l’apoteosi dello spreco fastidioso, perché, oltre ad una effettivamente bravissima Hilary Swank, questa pellicola viene letteralemnte sommersa da un nugolo di attori e divi dalle comptenze straordinarie, ma presenti come macchie di mervaiglioso colore incollate senza senso: come ha giustamente detto il mio amico e collega blogger Wwayne, in un suo prezioso commento, anche “[…] La presenza di Meryl Streep, invece di risollevare l’animo dello spettatore, ottiene come unico effetto quello di farlo infuriare ancora di più: infatti Meryl appare per 1 minuto d’orologio, […] ennesimo, fastidiosissimo caso di stunt – casting […]”.

E’ in quest’ottica, purtroppo, che dobbiamo ascrivere anche la pur piacevolissima comparsata in questa pellicola della nostra splendida Hailee, buttata dentro la storia con il personaggio di Tabitha Hutchinson, del quale si fa davvero fatica a capire il senso e l’importanza e che per un attimo, anzi, sembra quasi una citazione di una citazione, come un omaggio ruffiano al film dei Coen, nella speranza vigliacca di ottenere consenso da comparti di critica più vicini ai due fratelli registi.

Sono passati 6 anni da quel film, ma ancora oggi la Hailee Steinfeld che preferisco resta quella quattordicenne che guardava il mondo violento del selvaggio west dai suoi occhi castani, nascosti nella penombra creata dalla tesa umida e sporca del suo cappello da cowboy: era uno sguardo pieno di voglia di rivincita e non solo di vendetta, ancora privo della malizia creata dai make-up usati come modella, sia nei video musicali, sia nei servizi fotografici di moda (nel 2011 fu scelta dal gruppo Prada per farne il volto per il loro brand Miu Miu), così come lo sguardo affettuoso, privo di qualsiasi effetto smokey eyes, da amica del cuore del giovanissimo Master and Commander della flotta spaziale, era quello sincero di chi si siede accanto ad un amico, quando di notte sta male ed ha solo bisogno di conforto umano.

Cosa riserverà il destino di Hollywood a questa giovanissima promessa è ovviamente avvolto nel mistero, ma mi auguro che il suo agente sappia prendere spunto da quanto di straordinario sta facendo certamente il manager di un’altra giovanissima stella del cinema internazionale, anch’ella ex-attrice bambina prodigio e di due anni persino più giovane della Steinfeld, ossia l’incredibile Elle Fanning, ma questa è un’altra storia.

---

A questo link, potete trovare la sotto-pagina del blog dedicata a Hailee Steinfeld

---

In questo post abbiamo parlato dei seguenti film:

“True Grit (1969)”, USA, 1969
Sceneggiatura di Marguerite Roberts dal romanzo omonimo di Charles Portis
Regia di Henry Hathaway, con John Wayne, Kim Darby e Glen Campbell

“True Grit (2010)”, USA, 2010
Sceneggiatura di Joel e Ethan Coen dal romanzo omonimo di Charles Portis
Regia di Joel e Ethan Coen, con Jeff Bridges, Hailee Steinfeld e Josh Brolin

“Romeo & Juliet”, GBR, ITA, CHE, 2013
Sceneggiato da Julian Fellowes
Diretto da Carlo Carlei

“Ender’s Game”, USA, 2013
Sceneggiatura di Gavin Hood dall’omonimo romanzo di Orson Scott Card
Regia di Gavin Hood, con Hailee Steinfeld, Asa Butterfield ed Harrison Ford

“3 Days to kill”, USA, 2014
Soggetto di Luc Besson, Sceneggiatura di Luc Bessone Adi Hasak
Regia di McG, con Kevin Costner, Hailee Steinfeld e Amber Heard

“The Homesman“, USA, 2014
Sceneggiatura di Kieran Fitzgerald, Tommy Lee Jones e Wesley Oliver
Regia di Tommy Lee Jones, dal romanzo omonimo di Glendon Swarthout

---

Abbiamo anche consigliato indirettamente la lettura delle seguenti opere narrative:

“Lord of the Flies”, GBR, 1954, romanzo
“Il Signore delle Mosche” per l’edizione italiana Mondadori
Autore William Golding

“Orfani”, ITA, 2013 – in corso di pubblicazione, serie a fumetti
Concept, Soggetto, Supervisione sceneggiature e Disegni (autori vari) a cura di
Roberto Recchioni (testi) e Massimiliano Mammucari (disegni)

---

A questo link è anche possibile scaricare la versione integrale della sceneggiatura originale di Joel e Ethan Coen per il loro “True Grit” del 2010.

---